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Anti-Fronteras Fest: Una retrospectiva
Fotografías por: Viktor Plissken y Paulina Lazcano
Redacción por Paulina LazcanoEn la biografía de Instagram de Anti-Fronteras Fest, éste se reconoce a sí mismo con el aforismo contracultural ‘’Do it yourself’’, y su extensión ‘’Do it with friends’’. Me gusta porque puede ser aplicable a muchas cosas: ¿Tocar música y componer canciones? Do it yourself, do it with friends, ¿Salir a un show, lejos de casa, en otra ciudad? Do it yourself, do it with friends, ¿Organizar un festival de música punk de tres días, sin sponsors corporativos, llevando a cabo el booking de bandas locales, nacionales e internacionales y donar lo recaudado a un albergue migrante LGBT? Do it yourself AND do it with friends.
Detrás de las escenas un gran flujo de cables se abren paso desde la pared de amplificadores que se ha montado en el escenario. Los cables andan en caminos ondulantes por el piso hasta conectarse en una gran consola y un par de computadoras operadas por el staff del festival: Por un lado nos topamos a Fernando Ruiz, guitarrista y voz de Abyssal, quien funge en este proyecto como stage manager y que tocó el sábado 11 con su proyecto de funeral doom. Luego en el sonido vemos a Fernando Mora, guitarrista de Jaspe, y a Patrick Alexander, baterista de Cánidos y Habak, bandas que también se presentaron en distintas noches del evento. En las proyecciones digitales visuales entró en momentos el apoyo de Manolo, pintor que vino de CDMX acompañando a los chavos de Terror Cósmico.
El festival es el brainchild de Juan Cintora, integrante también de Habak, y de Patrick, y tengo entendido que son apoyados a distancia por Román Tamayo miembro de la banda de doom Vinnum Sabbathi y gestor cultural de CDMX. Aunque han subrayado que el festival fue hecho con una causa, es fácil ver que esta red de amigos y artistas, que se extiende aún más allá de las personas ya mencionadas, han colaborado para encarar este nuevo reto: El hacer un festival de música uniendo bandas locales y bookeando actos musicales internacionales y de formidable legado.
Viernes, 10 de Octubre – La primer noche se caracterizó por sentirse febril, con una energía desbordante, hirviente, efervescente. Había una ansiedad en el aire que a veces se siente en estos shows semi-locales, como si hubiera algo muy grande en juego.
ACxDC (Powerviolence, Los Angeles) abrió el moshpit, y les siguieron Cánidos (Punk Dbeat, Tijuana). Terror Cósmico (Doom Metal, CDMX), un dúo de guitarra y batería marcó un descanso del acelere con un set de canciones instrumentales de corte más fantástico, con un fuzz terroso y riffs serpenteantes. Terror me pareció interesante porque bien podría ser un proyecto que otros músicos rápidamente buscarían rellenar con bajo y otra guitarra, pero siento que hay mucha libertad y creatividad en su condición minimalista, un caso en el que menos es más. Back to back se presentaron Agonista (D-beat de San Diego/Tijuana) y Violencia (Fastcore/powerviolence de Tijuana). Los primeros traen un d-beat imponente, con una avasallante batería y por otro lado Violencia, agita el moshpit con blastbeats y el dinamismo de sus riffs. Posteriormente, Destroy Judas (Post-metal, Long Beach) entregó un hipnótico set, que sirvió como una calma antes de la tormenta porque al terminar ellos, les siguió, para cerrar la noche, Dropdead (Hardcore/Grindcore, Rhode Island), que cuando entraron a la escena elevaron la agresividad de la música y la dejaron caer sobre los asistentes como el trueno del juicio final.
‘‘Fuck ICE! Fuck MAGA! Fuck Trump!’’ fue el mantra espiritual de ese viernes. La música enlistada no da cuartel al escapismo. Hablemos de la violencia contra los migrantes, hablemos de la transfobia, de la xenofobia, hablemos de la crueldad animal. Se trata de entretenimiento que no borra y que no invisibiliza, como ocurre con mucha frecuencia en el mainstream.
Sábado, 11 de Octubre – El sábado escuchamos música más contemplativa, más para saborear por decir así. Las notas se suspendieron en el aire, reverberando por más tiempo. Oímos varios proyectos que combinan elementos atmosféricos con diferentes subgéneros de metal, por un lado estuvo Jaspe (doom/post-metal, Tijuana), su música es reminiscente a las piezas instrumentales de Russian Circles e Isis, creando paisajes de sonido muy claros, muy definidos. Por otro lado, Abyssal (funeral doom, Tijuana), con una grave marcha fúnebre, satura las bocinas de distorsión, brinda intensidad a cada nota y a cada golpe de la batería, esparciendo contados golpes a lo largo de una sola canción de media hora, de composición muy minuciosa y cuidadosa. En orden de presentación, les siguió Satón (post hardcore/ melodic hardcore, CDMX), una de las bandas que tocó por primera vez en Tijuana, su música es una gran suma de piezas y frases musicales distintas, se aleja del compromiso hacia un sólo género y rechaza la uniformidad en su sonido. Siento que su fórmula no falló en arrestar la atención de las personas.
Se rompió momentáneamente el hechizo que se había ido formando en el venue cuando se presentaron, desde Nuevo León, los Hellmaistroz (crust and roll). Los Maistros cortaron la atmósfera con clásicos tupa-tupas e (increíble!) hicieron engagement con la audiencia, marcando su propia línea en la noche. Como un sleeper agent activado, después de mucha sofisticación auditiva, regresa el espíritu del bar de mala muerte, los fantasmas de los Tonayanes pasados, los samples de B movies, la chela regada en el piso como accidente del moshpit. Un pequeño diablo folclórico y bartsimpsonesco canta: ‘‘Saca el caguamoooon, hey! hey! hey! hey!’’.
Este diablillo hace fuerte contraste con el que le sigue: el espíritu eldritch del bosque norteamericano en Mizmor (Doom metal/Black metal, Portland), el acto final del Anti-Fronteras Fest.
Hay un punto existencial en esta parte de la noche porque muy repentinamente ya era el final del festival, ‘‘¿Tan pronto ya sigue Mizmor?’’ Volteé alrededor y miré que para el headliner la pista estaba un cacho más vacía, ‘‘¿Por qué no hay más gente?’’. Algo similar sentí en el Fuzz Fest el año anterior al notar (y es algo ya todos sabemos y se ha dicho) que los asistentes eran en su mayoría los músicos que tocaron y otros músicos. Ambas propuestas de eventos, Anti-Fronteras y Fuzz Fest han traído a la ciudad a mi parecer buenas bandas, en este evento en particular vimos a Mizmor, Dropdead, ACxDC, Terror Cósmico, Hellmaistroz, Destroy Judas, Satón, por mencionar a quienes vienen de fuera. Violencia, Abyssal, Agonista y Habak, tengo entendido que tienen su following, pero son locales (muy buenos talentos locales) y probablemente eso puede afectar la propuesta por que son bandas que cada cierto tiempo se van a presentar aquí de cualquier manera.
Otra cosa es que a veces los círculos de artes pueden ser, sin querer, herméticos. Recuerdo hace muchos años, cuando comenzaba a ir a las tocadas locales de Ensenada, que un amigo me comentó que francamente si uno no es músico, uno no se entera de la agenda. Tomo ese comentario con un grano de sal, porque mi experiencia es que quien busca encuentra, pero también, tengo años asistiendo a los shows por ser parte del ecosistema, aunque no como músico pero como fotógrafa.
Y a lo que quiero llegar con todo este rambling es que a veces hay propuestas tan buenas y digo ‘‘Damn ¿Por qué no hay más gente aquí? ¿Qué pasó con toda la raza que ha ido y venido a estos gigs locales a lo largo de los años?’’. Uno cruza la frontera y en breve se percibe un pulso más vibrante en la escena alternativa. A veces siento que en México somos muy pocos o que hay muy poca apertura a salirse de lo normativo (y creo que en USA, a pesar de su actual clima político, si hay más apertura o la hubo). Pero bueno, es gracias a la autogestión, al do it yourself, do it with friends, que florece este ecosistema, como florecilla en la grieta de una banqueta.
Para finalizar con la segunda noche solo añadiré que qué bueno que hay registro videograbado en el canal de Anti-Fronteras del set de Mizmor, porque en el momento se sintió efímero, no quería que terminara, pero fue altamente disfrutable. El artista une lo sombrío, el frío desolado y los gritos desesperados del black metal con oscuras lullabys en una unión algo gótica y folk.
Para este momento, detrás de bambalinas el staff ya tiene un rato celebrando, y es una celebración bien merecida porque atravesaron una montaña que seguramente les costó meses de trabajo, esfuerzo, un acto de balance. En total tres noches de punk (contando el pre-fest), metal, compas, brutalidad, chela, merch, un apoyo de 11 mil pesos recaudados para el albergue migrante La Casa Arcoíris, y un sentimiento agradable de catarsis, esa vibra chida de cuando uno es transformado, aunque sea por un tiempo breve, por un coto legendario local.
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Soy Tu Piñata: una canción visceral para romperse a gritos
Hay canciones que son una caricia para el alma, hay otras que son un refugio para las heridas, y unas cuantas más que están hechas para romperse… ¡y rompernos en el proceso! Éste es el caso de “Soy Tu Piñata”, el nuevo sencillo de Ay Gregorio! estrenado este 14 de febrero en todas las plataformas, con dedicatoria especial para todos los corazones rotos.
Si te gustan las canciones demoledoras, que con solo una guitarra y voz pueden llevarte a un estado emocional intenso, entonces esta canción es para ti. Si además de eso estuviste en una de esas relaciones amorosas insanas donde se entrega el corazón a quien no lo sabe cuidar, bueno, ve preparando tus playlist porque “Soy Tu Piñata” va a ser parte de tu vida.
El estreno gregoriano se trata de una especie de “cover”, pues la composición fue creada con el proyecto “Fiesta de Tristeza”, una banda de electro-punk psicodélico de la que Ay Gregorio! forma parte, y que cuenta con dos temas publicados (se rumora de un tercero en camino), si bien actualmente sus integrantes viven en distintos lugares.
“Soy Tu Piñata nace con Fiesta de Tristeza. El productor y multiinstrumentista Szavio Petrus tenía esta progresión de acordes buenísimos, y una noche nos juntamos Andrea Razo y yo con él, y empezamos a aterrizar lo que sería la letra y melodía de la canción, que eventualmente publicamos en 2024 en las plataformas de la banda. Desafortunadamente ese año todos nos fuimos a vivir a diferentes rincones del mundo, y la canción llegó solo a pocas personas en Ensenada”.
Poco tiempo después, el cantautor comenzó a tocar la canción en vivo y a su manera acústica punk, teniendo muy buena recepción de la gente, hasta que eventualmente varias personas le recomendaron grabar el tema al “estilo gregoriano”: “Al inicio la tocaba para recordar a mis amigos. Entre más la tocaba, más iba experimentando con las dinámicas, hasta llegar al resultado explosivo que ahora les compartimos en este sencillo, grabando guitarra y voz en una misma toma en una sesión con Gilberto Ordaz, un gran amigo y productor de Mexicali”.
El sencillo de Ay Gregorio! viene acompañado de un video musical impresionante, en el que se nos presenta a la “novia” de Gregorio descubriendo una infidelidad. Esto desata en ella el sentimiento de querer romper y destrozarlo todo, en un acto de catarsis que la actriz lleva a una ejecución admirable.
“El videoclip lo grabamos desde la productora independiente PerRAlternativa, en Rancho El Sauco (Maneadero, Ensenada), y contó con la actuación de Venus Cairos, la dirección de Paulina Arellano, Carlos Reyna en cámara y edición e Hiram Navarro en asistencia de producción y Dron. A pesar de que fuimos un equipo reducido, logramos un gran resultado gracias al trabajo de todos. Venus Cairos se rifó una interpretación estupenda, de ella dependía, en mayor medida, que se reflejaran las emociones que queríamos para el video, y como podrá notar cualquiera que vea el video, el resultado habla por sí mismo”.
Sin duda una canción y un video musical visceral, con el que muchos se sentirán identificados y querrán gritar a todo pulmón “¡Golpéameeeee!”. A continuación el videoclip:
Para los que son primerizos en los “cantos gregorianos”, les compartimos que este compositor de indie-folk-alternativo se presenta al mundo en 2021, teniendo al día presente un álbum publicado (Cantos Gregorianos Renacidos) y 9 sencillos en plataformas, explorando en sus canciones diferentes estilos de la balada, la canción ranchera, la canción de protesta y el corrido. En sus 5 años de trayectoria ha compartido escenario con Juan Cirerol, Dámaris Bojor, Axel Catalán, Anthony Escandón, Lázaro Cristobal, Ramona y varios exponentes más de la escena independiente nacional, con conciertos en más de 15 entidades de la república mexicana.
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Las multiplicidad de la experiencia amorosa en el nuevo EP de Fernando Marlo
Redacción Por Nayely Martínez
El pasado 10 de enero, Fernando Marlo, cantautor de música folk, compartió escenario con Iván García en tierras chilangas, eligiendo Casa California para presentar su nuevo EP, Una más para el camino.
Para Fernando Marlo es importante que sus EP tengan una línea argumentativa, es decir, una congruencia entre la letra, los arreglos musicales e incluso la propuesta visual; sin embargo, dicho argumento no lo hace explícito para el público. Esto me recuerda a la sensación que genera ver una película de cine de arte, donde el director o la directora te brindan la oportunidad de tejer tu propia interpretación y, en algunos casos, incluso de inventar el final.
En este breve texto, compartiré mi interpretación respecto al argumento del EP. Quienes hemos escuchado a Fernando Marlo coincidimos en que su música es melancólica y, aunque este EP no es la excepción, va más allá de ser “un conjunto de canciones tristes”.
“Bella Mujer” está inspirada en la historia de amor de su mamá y su papá. En los últimos dos conciertos realizados en la Ciudad de México, ha abierto con esa canción, permitiéndonos explorar la experiencia del amor de pareja en el momento en que empiezas a enamorarte y te permites conectar.
Para él, es su única canción de amor; sin embargo, desde mi perspectiva, en este EP el cantautor nos hace una invitación a recorrer las múltiples formas en que se vive la experiencia amorosa porque no sólo hace referencia al amor hacia la pareja con “Bella Mujer”, sino también el amor en la familia, las amistades, el territorio y los proyectos comunitarios.
“¿Dónde estás mamá?” y “Morí en silencio” reflejan formas de amar vinculadas a la pérdida. Por un lado, nos comparte cómo se asimila la muerte de una persona que amamos y, por otro, nos da cuenta de lo que ocurre cuando los vínculos se terminan y tenemos que aprender a cerrarlos.
En el caso de la muerte, particularmente la de su mamá, nos muestra que se trata de un proceso en el que necesitamos un momento de introspección para transformar todo lo que sentimos en una nueva forma de amar desde la ausencia, de recordar todo lo bonito “y lo que no también”. Mientras tanto, “Morí en silencio” nos invita a aceptar que las relaciones terminan y que las personas continúan con su propio proyecto de vida. En ambos casos, estas pérdidas nos confrontan con la necesidad de aprender a despedirnos.
Desde esta misma lógica de la pérdida, pero ahora llevada al plano colectivo, “Canción a un migrante” nos habla del amor hacia el territorio en un contexto de desplazamiento forzado. La frase: “buscar bajo un cielo gris lo que me negaron en mi país” refleja la experiencia de quienes migran, lo que implica dejar su comunidad y la tierra en la que nacieron, así como, cuestionar las múltiples formas de violencia durante el tránsito y la llegada -de quienes lo logran-, pues nadie tiene asegurado que sus condiciones de vida mejoren.
En una conversación, Fernando Marlo me compartió que su canción estaba siendo escuchada en ¡14 países!, lo cual deja ver que la experiencia migrante forma parte de una experiencia profundamente colectiva. Desde ahí, resulta fundamental cuestionar cómo el ascenso de la ultraderecha se ha sostenido en discursos de odio hacia las personas migrantes -y otros grupos, por cierto-, al mismo tiempo que reproduce y actualiza estructuras de poder que responden a intereses económicos y políticos propios, y entre cuyas múltiples consecuencias se encuentra el desplazamiento.
Ligado a lo anterior, “No me gusta quien soy”, desde mi interpretación, se articula con “Canción a un migrante” porque refleja los impactos de ese mismo proyecto económico y político a nivel singular. En ella se muestra cómo terminamos por interiorizar las desigualdades sociales y creer que la falta de una vida digna es resultado de nuestra capacidad o de nuestra voluntad. Esto se condensa en la frase “no me gusta la mierda que soy ni en lo que me he convertido, pagándole un trago al amor y escribiendo al olvido”, donde un problema social termina por leerse como un problema individual.
Finalmente, y como un giro de la experiencia amorosa hacia la posibilidad de transformación, “Un abrazo de aguamiel” surge de un proyecto educativo en el estado de Hidalgo. Esta canción es mi favorita del EP, ya que da cuenta del amor como proyecto político, es decir, de una forma de amor que moviliza y construye utopías a través de iniciativas comunitarias que invitan a apropiarse y transmitir, de generación en generación, los saberes ancestrales para el cultivo del maguey y la elaboración de una bebida tradicional como el pulque. Asimismo, propone mantener viva en la memoria colectiva a quienes nos heredaron ideas y acciones, como es el caso de Basilio Pérez y Arturo Gómez, al transmitir el compromiso de respetar a la madre tierra y de pensar en colectivo, a través de la escuelita campesina.
Así, cierra Fernando Marlo su presentación en Casa California, mostrando las múltiples formas de la experiencia amorosa.
Del mismo modo, me parece importante señalar que ver la presentación en vivo fue también la expresión de un proyecto de música independiente que apuesta por la comunidad. Esto se hizo evidente, por ejemplo, cuando Bluez Marentes abrió el escenario diciendo que la habían invitado porque, entre músicos independientes regios, se apoyan.
Pero también fue una apuesta por una experiencia sonora en colectividad, algo que se refleja con claridad en este proyecto musical al reunir en el escenario a Aldo Fragoso en la batería, Javier González en el bajo, Abigail Rodríguez en el violín, así como a Efraín de la Rocha y Karina Niño de Los Niño Van, además de la propia Bluez Marentes y de Iván García.
En ese mismo sentido, el amor se vuelve un proyecto porque no sólo son sentimientos, sino se vincula a las acciones, de manera que, existen múltiples formas de tejer relaciones, de construir lenguajes compartidos, de volvernos cómplices y, llegado el momento, de dejarnos ir.
En ese recorrido, Fernando Marlo nos recuerda que cuando estamos felices hay que permitirnos disfrutar esa felicidad y, cuando nos tenemos que despedir, darnos el tiempo de nombrarlo y aprender a amar, incluso, desde la ausencia.
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3: Experimentos de Folk Psicodélico en el nuevo álbum de Cowboy Mike
Redacción por Iván Gutiérrez
En una era donde la industria musical privilegia la voracidad de la producción, consumo y desecho de sencillos, es una bendición encontrar propuestas sonoras como el nuevo álbum de Cowboy Mike. Originario de Nueva Jersey, pero radicado en México desde hace varios años, este compositor de folk-psicodélico experimental nos trae una entrega deliciosa de 8 nuevas canciones en su 3er álbum llamado “3”, un disco que recorrediversidad de emociones, idiomas y sonidos.
Si algo nos encanta de escuchar música en formato de álbumes, es esta capacidad de navegar por cada canción de forma particular, a la par que se puede sentir el carácter sonoro que conecta a todas las piezas, una sensación muy bien lograda en la nueva entrega de Cowboy Mike. Pensando en explorar más a fondo su tercer entrega, conversamos con este músico que ya es más ensenadense que el ceviche.
Iván: ¿Cuáles son las influencias que hay en este álbum? Yo siento que hay un poco de Elioth Smith ahí junto con algo de folk-psicodélico y vibras indie-alternativas estilo Oasis… pero tú dime
Cowboy Mike: Yo creo que siempre mis influencias han sido entre el folk, lo psicodélico y lo experimental, proyectos como Elliott Smith y Wilco (principalmente su disco Summer Teeth), también Los Beatles y Oasis.
I: ¿Hay alguna diferencia significativa entre esta álbum y los anteriores?
CM: Siento que el primer disco (2019) es el más experimental pero también como lo-fi, no tiene un sonido muy definido porque está como por todas partes, y no sabía producir tan bien como ahora. Y luego el segundo disco (2022) siento que sí es como puro folk psicodélico con menos experimentación, con un sonido un poco más definido.
Y ahora el tercer disco es como una mezcla ya entre el primer disco y el segundo disco, de que sí hay cosas bien folk, bien como definido en el género. Y luego otras cosas que sí están un poco más viajadas, por ejemplo en la rola de Majors, que tiene unos ritmos y cosas medio R&B también. Nomás para jugar con el sonido.
Algunas canciones ya las estaba trabajando antes de que saliera el segundo disco… todas fueron grabadas y compuestas entre 2021 y 2024.
I: ¿Por qué componer en español? Se me hizo curioso, siendo que tu lengua nativa es el inglésCM: Crecí hablando un poco español y escuchando más que nada el español. Como ya llevo viviendo en México varios años lo vi también como un reto. Al componer en un idioma que no es el tuyo, se compone diferente, desde la rima por ejemplo. Componer una letra en español es muy distinto del inglés, en español tienes que buscar la rima, algo que rime sin ser muy repetitivo.
Y en ese proceso de repente se me hace que llegas a formas… muy divertidas que a alguien que habla español no se le ocurriría. Por ejemplo, en la de “Vivir” dice “y dejo de buscarme-jor dejo llevarme” entonces la última parte de “buscarme” se enlaza con “mejor”, uniendo ambas palabras, y creo que eso también tiene que ver con lo que te digo de jugar con la música. Además estudié idiomas, tengo licenciatura en lingüística, entonces me gusta experimentar también con el lenguaje.
I: ¿Por qué se llama “3” este álbum?
CM: El primer disco salió en el 2019, y el segundo en el 22, ahora llega este en 2025, entonces me di cuenta que cada 3 años he sacado algo nuevo con este proyecto, y también corresponde que es el tercer disco. Y bueno la foto de portada quedó perfecta, la tomé en el centro de Tijuana, y muestra 3 sillas vacías.
I: ¿Cuáles dirías que son los temas del álbum? ¿Autodescubrimiento? ¿Desamor? ¿Gratitud?
CM: Ajá, es como entre relaciones y la vida, no solo autodescubrimiento sino como… entendimiento de cómo funcionan las cosas también fuera de ti. Porque hay canciones que hablan de mí y otras en las que estoy observando algo… como siendo parte del mundo, como la del pajarito. Creo que en las canciones de “Do, Be” y “All The Time” queda muy reflejado… como la forma en la que pienso, si le prestan atención a esas letras entenderán mi forma de pensar.
I: ¿Por qué publicar un álbum, en una era donde todo el mundo le da preferencia a los sencillos?
CM: Siento que hacer un disco te da la oportunidad de como documentar todas tus ideas de una época. Aunque por igual si escuchas los tres discos te vas a dar cuenta de que son similares, tienen puntos en común.
Pero bueno también me gustó la idea de lanzar antes un sencillo, como para ir anunciando que venía el álbum, que fue la de “Vivir”, que salió con un videoclip grabado (por ti jaja) ahí en Quintas, en una tarde con amigos y ceviche.
I: ¿Hubo algún reto en la producción de este álbum?
CM: No particularmente… siempre me gusta que cada canción esté como en el mismo mundo, que cuando estás escuchando el álbum todo tenga la misma textura, y se sienta que hay un hilo ahí que conecta todo.
También quisiera agregar mi agradecimiento a las personas que participaron en el álbum: Yevi Oceguera participó grabando un solo de guitarra eléctrica (Aquí), también Michael Wilkens tocó el bajo en varias canciones (Puma, Vivir, All The Time). Austen Hallett grabó violín (No), Andrew Milea grabó guitarra eléctrica (Do, Be) y Dewey Thomas (de Forest Hill Sound en Asheville North Carolina) estuvo a cargo del mastering.
I: ¿Algún comentario final para la gente que va descubriendo tu música?
CM:Si les gusta la música alegre, pero de un lado todo como medio triste y melancólico, pues, siento que les puede gustar este álbum. Creo que es una propuesta auténtica, una mezcla de sonidos que no van a escuchar en cualquier lado.
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“Una más para el camino”, un abrazo para soportar la vida por Fernando Marlo
Entrevista por Iván Gutiérrez
En lo personal, no sé qué sería de mí sin la música real, la que viene de heridas reales, de sentimientos vividos en sangre y hueso, de esa poesía sonora que nos recuerda que sí: la vida vale la pena ser vivida por esos destellos de belleza. Por lo general, mucha de esta música no llega a las masas, y por el contrario, se esconde en ese lugar llamado “el underground”. La ventaja de habitar este subterráneo sonoro es que ahí existen joyas impresionantes de música real, por ejemplo, el nuevo EP de Fernando Marlo, “Una Más Para el Camino”.
En una entrega de 6 canciones nuevas este compositor regiomontano lleva el sonido del folk mexicano a uno de sus picos más excelsos, demostrando que la música no está muerta, sólo está echándose un par de tragos en alguna cantina olvidada por Dios mientras la humanidad sigue aferrándose a su autodestrucción. Con ustedes, una conversación con Fernando Marlo, autor, poeta, amigo y hermano de canciones que nos mantienen vivos.
Iván: Fernando, queremos saber todo sobre tu nuevo EP, ¿cuándo fue que lo compusiste? ¿por qué salen estas canciones juntas y no separadas? ¿por qué se llama así?
Fernando: Las canciones de “Una Más para el Camino” las compuse en diferentes momentos de mi vida… hay canciones como “Bella Mujer” y “Canción para un migrante” que ya tenía ganas de publicar, pero no las inclui en el primer álbum (“Canciones desde el Sauce”) porque sentí que eran conceptos diferentes, y mi idea era hacer un álbum que fuera más coherente entre sus canciones. Otras composiciones las terminé después, hace un año compuse “No me gusta quien soy” y “Morí en silencio”, esas salieron en la primera gira que hice para promocionar “Canciones desde el Sauce”.
Me ha pasado algo muy curioso, que siempre en los álbums queda una canción que no estaba planeada, en el primero fue “Pajarillo”, y en esta fue la de “Abrazo de aguamiel” esa fue la última que compuse y terminamos por incluirla como un bonus track, es una canción muy bonita que merecía ser contada.
La idea era hacer un EP que fuera muy cantinero, con canciones de nostalgia y tristeza, y bueno sobre el nombre del EP, “Una más para el camino” es la forma en como se despiden mis amigos, al momento de terminar una peda o reunión; tengo un amigo que se llama David que toca conmigo, y antes de despedirnos siempre decimos “vamos a echarnos una última para el camino”, ya sea una cerveza o un cigarro. Me gusta mucho esa forma de despedirse porque nunca sabes si lo vas a volver a ver, entonces brindar por última vez con esas personas me gusta mucho, siento que eso transmite la esencia del EP.
I: ¿Cómo llegaste a esa sensación musical tan pura con la que representas el amor en “Bella Mujer”? Se siente en los instrumentos, los coros y violines.. en el piano increíble
F: La mayoría de mis canciones hablan de tristeza, nostalgia, son muy melancólicas, entonces sentí que si hablaba del amor quería hacerlo de forma peculiar y siendo sincero, sin mostrarme tan cursi… Bella Mujer termina siendo el romance completo, es una historia fragmentada con base a la forma en como mis papás se conocieron, está inspirada en su historia… la verdad no he tenido muy buena suerte en cosas del amor, no me considero que haga muchas canciones de amor, tampoco se me da muy fácil, pero quería contar esa parte de la historia más bonita de amor que yo conozco, que es la de mis papas.
I: ¿Tú estuviste a cargo de los arreglos en el EP?
F: Cada quien hizo lo suyo, en el EP participaron muchos músicos. La producción la hizo Fernando Galindo, mientras que Choco Maldito estuvo en el Bajo, Silvio Alberto en el Piano, en el Cello Jonathan Galvan (ya habíamos trabajado juntos en el primer álbum). En coros volvió a participar Isabel Montoya con la dulzura de su voz, ya que me gusta mucho su profundidad… la forma en que transmite y cómo siente la canción. Me tocó a mí componer letra y armonía, pero cada uno de los músicos fue agregando su propio granito de arena y la verdad me gustó mucho hacerlo así porque se lo tomaron muy en serio, se metieron mucho en la canción, de subirse arriba de ella y hacerla suya, pienso que es muy bonito cuando le das esa libertad a los músicos de expresarse en la canción.
En el último tema, “Abrazo de Aguamiel”, Efrain de la Rocha (Niño Van), se aventó toda la instrumentalización, grabó bajos, guitarras, hizo coros, y la batería la grabó Sebastian Fragoso; creo que tuve la suerte de coincidir con grandes músicos, muy talentosos, que me permitieron contar con ellos para darle color a las canciones.
I: “Abrazo de Aguamiel”es una gran canción, ¿de donde surgió? Siento como si estuviera escuchando justo un canto campesino, pero contemporáneo… ¿Cuéntanos, quiénes son Bacilio y Arturo Gómez?
F: En el estado de Hidalgo hay un lugar que se llama La Pila… toda la comunidad se llama Azoyatla, y ahí hay un lugar que se llama Escuelita Arturo Gómez Moedano. Tuve la fortuna de conocerlos, y en cada vuelta a CDMX iba a visitarlos: me hospedaron, me hicieron parte de la familia, y en el transcurso de esa calidez que tuvieron conmigo, conocí lo que hacían, que era promover la cultura del maguey, su cuidado, la producción del pulque y todas las tradiciones a su alrededor, lo que se obtiene del maguey, del maíz, que ellos siembran, y se me hizo muy bonito porque es una escuelita que busca enriquecer a los campesinos de la comunidad brindándoles una educación para que puedan aprovechar mejores sus tierras, producir mejor el maguey,
Para producir el pulque hay que cuidar por años el maguey, para que te salga el aguamiel y ya luego el pulque, momento en el que el maguey tiene que morir. Es toda una experiencia de vida muy bonita, y lo que hacen ahí se me hizo muy merecedor de poderlo contar: lo que ocurre ahí es una historia que merece ser contada.
Hablando un poco de Arturo Gómez, impulsó mucho el arte, el trabajo de la tierra, tenían algo que se llama Los Tamuines, un tipo de moneda local que implementaron en la comunidad con la que podías ir a comprar maíz o frijol a tu vecino, era algo muy hermoso porque el Tamuin no estaba respaldado por petróleo ni oro ni nada, sino por horas de trabajo, entonces los campesinos solo por trabajar y producir tantos costales de frijol, tenían derecho a tantos Tamuines, y ellos conservaban su producción pero también obtenían estos Tamuines y podían usarlos para pagar.
Fue tanto el impacto que el Banco Nacional de México los persiguió y hubo todo un proceso, un juicio, sobre esta historia, porque pensaban que era un lavado de dinero, pero en verdad era una moneda respaldada por trabajo, se me hizo muy impresionante, y Arturo Gómez formó parte de esto, él murió en la Pandemia, fue algo muy duro, yo conocí la escuelita hace un año y medio, y pude escuchar la historia de Israel Garnica —el fundador y mejor amigo de Arturo—, conocer los motivos de la fundación de la escuela, verlo levantarse temprano y trabajar hasta tarde… entonces una de las fechas de la gira ahí la cerramos, y parte del público era la familia de Arturo, y aunque no tuve el gusto de conocerlo, se que fue una gran persona, todo el pueblo habla de él y de Basilio, un gran pulquero al que le decían Juan, a quien también nombramos en la canción. Es una canción de ofrenda, una pequeña contribución a la grandeza de lo que hacen.
I: Platícanos de tus influencias, sé que te gusta mucho Lazaro Cristobal, Iván García… se siente en la vibra de desdicha encantadora de tus canciones
F: Lazaro para mí es uno de los referentes, Iván García también, ambos tienen letras increíbles y sólidas, la forma en que transmiten… creo que también tengo mucha influencia de Nacho Vegas. Este EP lo quise hacer muy apegado al folk y la onda cantinera, y pues estos personajes también tienen mucho de esto, también por Juan Cirerol, que tiene letras muy buenas… y he ido conociendo músicos de folk que me gusta mucho, por ejemplo, una de las canciones que tengo “Morí en silencio” está completamente influenciada por la canción de Ay Gregorio! “Prefiero Mentirme Otra Vez”. Creo que la vida te va poniendo con las personas correctas, vas conociendo proyectos más sólidos y todo eso inspira, es como decir yo también quiero hacer canciones que tengan trasfondo.
Una de las razones por las que pude hacer el EP fue por la colaboración con Niño Van en la canción “¿Y tú qué harías?”, un bolero, al haberlo hecho me hizo agarrar más confianza para hacer “Bella Mujer”, que termina siendo un bolero romántico.
I: “Cancion para un migrante” es increíblemente dura… una realidad que vivimos en la frontera, donde la gente va a buscar un mejor futuro y termina siendo asesinada…
F: Me impactó mucho ver las caravanas de la gente migrando hace años. Poco a poco la ciudad de Monterrey se fue llenando de gente de Honduras, Venezuela, El Salvador, Haití, y en este peregrinar, por alguna razón nos encontrábamos en el camino, y terminé conectando con esas personas. Al momento que me contaban sus historias y lo que tuvieron que pasar para llegar aquí se me hacía muy impactante, la canción está dedicada a una amiga que es de Venezuela, ella tuvo que migrar y estando acá perdió a su papá, que se quedó en Venezuela y murió por falta de un medicamento que acá es muy accesible, murió de una infección, y la impotencia de ella, por no poder hacer nada, no poderlo ayudar ni tener la posibilidad de despedirse de su papá, esas historias son muy duras, entonces la canción es con mucho respeto, busca hacernos reflexionar sobre que todos somos iguales y que todos somos migrantes potenciales, y podríamos vivir una historia igual de dura que la de ellos, entonces es eso, hablar con honestidad brutal lo que representa la migración para muchas personas, que luego van por el sueño americano y mueren en el desierto, es horrible… por un balazo en la cabeza, como dice la canción, es una realidad que pasa mucha gente.
I: “No me gusta quien soy, me parece una hermosa oda a la soledad, me siento en tu vida ahí, viéndote despertar ojeroso y empezando otro día de mierda, un trago de la noche anterior por ahí, con cierto autodesprecio también…
F: Es la canción que más me identifica como persona del EP, muchas veces me da esa sensación de no estar cómodo con quien soy, de no sentirme orgulloso de los errores que he cometido, de levantarte y que te cueste verte en el espejo, creo que nos puede llegar a pasar a muchos, a veces me da por cuestionarme si realmente estoy haciendo lo que quiero, si estoy cómodo siendo como soy, es… como la canción espejo, me muestro tal cual soy, creo que lo necesitaba, era un medicamento para mí, mostrar esa parte honesta, ser brutalmente honesto y decir “me estoy quedando sin amigos y no me gusta quien estoy siendo”, esta onda de a veces sentirte tan vacío y tan solo, creo que es lo que hace la canción tome mucho sentido.
I: “Dónde estás mamá” la sentí como un folk con toques country-rock y coros hasta como de gospel… ¿Cómo llegaste a ese sonido?
F: Es una obra con Isabel, que sabe darle al punto. “Dónde estás mamá es una canción que compuse para mi papá cuando murió mi abuela, yo lo escuchaba llorar en el baño y decir “dónde estás mamá”, a mí me impactaba ver que mi papá no lloraba frente a nosotros y que se encerraba en el baño… la compuse en el 2014 y no había tenido oportunidad de sacarla. Ahora que murió mi mamá… pues se me hizo muy loco porque terminó siendo una canción para mí, terminó siendo una especie de cura para estos sentimientos de tristeza, y nada, salió el 2 de noviembre y fue una ofrenda para el altar de mi madre.
I: ¿Algunas palabras finales que quieras compartir con los lectores y escuchas?
F: Espero que con este EP sientan un abrazo de aguamiel con alguna de las canciones, creo que las canciones llegan en el momento en que tiene que llegar, se descubren cuando se tienen que descubrir, ojalá que sirva para abrazar el alma de quien lo necesite en ese momento. De mi parte tienen toda la honestidad y la calidez que a veces no se encuentra en otro lado, en estas canciones ahí les estamos regalando un soporte a la vida.
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Arte para tocar: Contracorriente y Barco reinventan la experiencia museográfica
Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés García¿Una exposición artística que puedes tocar? Suena como un sueño, pero Contracorriente y Barco lo hicieron realidad. Con su exposición táctil “Favor de tocar”, crearon una experiencia única que busca cuestionar la relación tradicional entre el espectador y la obra de arte.
“Usualmente, cuando vas a un museo o una colección privada no puedes tocar las piezas, ya sea por su valor, por el derecho de posesión o por las limitaciones del espacio. Convocamos de manera explícita a artistas que prestaron su obra con el permiso de permitir al público vivir una experiencia que fuera más allá de lo común, creando un espacio de reflexión sobre la distancia que mantenemos con el arte y cómo, al romperla, podemos crear una conexión más profunda”, explica Elsa Alexandra Magaña Lucero, directora de Contracorriente.
La exposición se llevó a cabo en el sexto aniversario de La Oficina, espacio que en sus primeros años funcionó como galería y que, con el tiempo, evolucionó hacia un centro de talleres artísticos. Por su parte, Barco —conformado por Andrea Lomelí, Cristina García, Matilda Ulloa y Daniela Gutiérrez— nació como un proyecto escolar: un sitio web con la intención de crear puentes entre artistas y público, acercando el arte local a la comunidad bajo el lema “Volver accesible el mundo del arte creando una comunidad en Ensenada”.
En 2025 comenzó su colaboración con Contracorriente para atender la necesidad de abrir un espacio expositivo con dinámicas museográficas, iniciando así la historia conjunta de ambos proyectos.
Entre las obras que integran la muestra se encuentra “Romperse en caso de ser necesario”, de Dalí García, una pieza de cerámica de alta temperatura que guarda fragmentos escritos en su interior. La obra propone un gesto de liberación contenida y explora la vulnerabilidad y la destrucción como caminos hacia la comprensión y la reconstrucción emocional. Al romper la cerámica, el espectador accede a los textos escondidos dentro de ella, reflexionando sobre la belleza de lo imperfecto, la narrativa del dolor pasado y su transformación a través del lenguaje material.
La exposición también reúne bitácoras de arte y poemas digitales cargados de momentos personales, esculturas sonoras que invitan a jugar con el sonido, una instalación que refracta, un cojín lleno de objetos, una pieza que aborda la crisis de feminicidios, y un camino diseñado para coleccionar los restos simbólicos de quienes lo recorren.
El proyecto fue un éxito rotundo: en una de las visitas guiadas, cerca de 50 personas interactuaron simultáneamente con las obras, generando una experiencia comunitaria en la que el tacto se convirtió en lenguaje. Para Elsa, esto abrió una reflexión necesaria sobre los modos de hacer museografía.
Contracorriente busca acercar el arte a la comunidad de forma original, alejándose del elitismo y fomentando un arte socialmente consciente. Su objetivo a largo plazo es seguir produciendo exposiciones que desmitifiquen las dinámicas arcaicas del mundo del arte, generando conocimiento desde la práctica. Actualmente, el espacio ofrece clases de pintura y cerámica, visitas guiadas, una tienda de arte accesible y una ventanilla de bebidas inspiradas en las mascotas de los artistas.
Hoy, Contracorriente se ha convertido en un refugio para artistas jóvenes: un lugar al que pueden acercarse quienes están iniciando su carrera en Ensenada. El equipo mantiene las puertas abiertas para generar vínculos, colaborar y compartir con cada visitante.
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Nostalgia Banda: 14 formas de hacer regional mexicano por Daniel Quien
Redacción por Iván Gutiérrez
Es notorio que en la última década el noroeste de México se ha posicionado como campo fértil de proyectos musicales auténticos e innovadores. Hablando en particular del indie-folk, el nombre de Daniel Quien salta de inmediato como uno de los exponentes clave en este movimiento de talentos norteños. Sin embargo, este cantautor originario de Mazatlán, Sinaloa, no se ha conformado con ser uno de los referentes de este género a nivel nacional. Ahora, con su álbum “Nostalgia Banda”, este músico apasionado demuestra que también puede integrar el sonido regional de su tierra sinaloense en su propuesta musical. Acompáñanos en esta entrevista donde desmenuzamos nota a nota esta obra maravillosa que es Nostalgia Banda.
I: Platícanos de tu nuevo album, Nostalgia Banda, ¿qué hay dentro de esta nueva entrega de Daniel Quien?
D: Son 14 canciones, 14 formas diferentes de hacer regional mexicano, todo es una alusión a la banda sinaloense. Al haber crecido allá y pasar mi niñez, adolescencia y parte de mi adultez, pude constatar que es lo que mueve a la gente, lo que ponen en las fiestas y en momentos especiales. La banda sinaloense tiene una fuerza muy especial, tanto para la gente de Sinaloa como de México, es algo que ha estado presente en la cultura popular de México por muchas décadas. Lo que hace un artista moderno es reinterpretar lo que el público ya siente en su corazón y amplificarlo a ciertos rumbos, es lo que quise hacer con el álbum de Nostalgia Banda. El nombre viene por ser una oda a la nostalgia y por esta referencia a la banda sinaloense. Es interesante porque vengo de un paradigma digamos… más rígido. Había estado haciendo folk, rock psicodélico, jazz, progresivo, y esa libertad melódica y lírica de la banda sinaloense me ha brindado muchas ideas en cuestión vocal y armónica. Ha sido una nueva aventura, como empezar de cero.
I: ¿Dices empezar de cero por esta exploración del regional?
D: En parte por eso, por explorar el género, para hacer algo diferente, para hacer algo que aporte y crear algo con tu propio estilo. En segunda, también porque los fans se acostumbran a algo. Mis fans vienen de una etapa muy dura en donde yo representaba el rock psicodélico contemporáneo en México, pero siento que ya la rompí en ese aspecto y quise ver hacia donde me podía dirigir, que terminó siendo el regional, mis raíces, entonces Nostalgia Banda es un primer vistazo hacia lo que puede ser el futuro de Daniel Quien, ya no solo para escuchas alternativos, sino para un público masivo. Es como un nuevo inicio.
I: ¿David Aguilar es productor de todo el álbum?
D: Dos productores estuvieron involucrados en la producción del álbum, David Aguilar y Ulises Jayis. David es de Culiacán, él entiende que onda con la música sinaloense y también con la música académica de todo tipo, y Ulises Jayis es un venezolano muy experimentado en música latinoamericana, entre ambos le dieron el toque latino que necesitaba, dando como resultado canciones que tienen mucha finura pero no se siente una pretensión porque hay un apego a las raíces, y eso se logró gracias a una producción musical de parte de estos dos compas.
I: ¿Cómo se dio esta colab con Walter, canción Entre Copas?
D: Llevamos años siendo compas, siempre hablábamos de hacer una colaboración. Yo conocía su música desde que era Negro, y al igual que con David Aguilar, tenía esa ambición de trabajar con ellos. Con mis trabajos anteriores no estaba muy en sintonía con lo que estaba haciendo Walter, hasta que hice este disco. Él ya estaba regionalizado, hacía un folk pero como una balada de Chalino Sánchez, ya después le llegó una producción musical más choncha que reforzó ese sonido mexicano. Entonces ya encontrándonos en la misma sintonía ya se me hizo coherente invitarlo a una rola mía. Me gustó mucho como quedó su voz y la canción en general.
I: Mujer eres letal es uno de los temas que se me hicieron más interesantes en el álbum, justo por tener esta mezcla de rock psicodélico y regional…
D: Siempre hay que ver no lo que hace el artista, sino lo que escucha. Mi público sabe que soy alguien que está obsesionado con los Beatles, con la música psicodélica, con muchas corrientes que corresponde a un ejercicio que se llama “secciones” o “rapsodia”, entonces esta música va intencionada a que cada sección se sienta diferente, y que de esa forma la canción tenga universos distintos en la misma obra. Yo lo aprendí con A Day in the Life, de Los Beatles. Muchas de mis canciones siguen esa línea, pero en Mujer eres Letal lo hicimos más notorio.
I: Compártenos tres canciones que quieras recomendar del Nostalga Banda, para el público que todavía no te conoce…
D: La tercera es “El Llamado”, la toque acústica o en versión de estudio, tiene expresividad, tiene discurso y se sostiene por su propia melodía y mensaje, y el mensaje es fuerte, admitir que cuando uno se enamora simplemente está siguiendo una orden superior que te arrastra. La segunda sería… “Ultramodos sexuales”, es una rola muy sencilla y bonita, pero también está cargada de un mundo sonoro muy intenso, y eso es porque es mi única canción triste donde honestamente estoy plasmando algo de mi vida: todas las otras canciones tristes son ficciones o historias de amigos que me cuentan y las hago canciones, pero ésta se inspiró en una historia personal, y vaya que le sufrí al componerla.
El primer lugar sería para “Coordenadas exactas”, simplemente porque yo soy alguien más de melodías que de letras o instrumentación, a mí me fascinan las melodías, entonces coordenadas se me hace que es una canción que, aunque le quites la letra, sobrevive a nivel sonoro, a nivel barroco, y el coro se me hace una de mis expresiones melódicas más elevadas al momento, me siento muy conectado con esa melodía y orgulloso de haberla compuesto.
I: He visto tu proyecto desde hace tiempo, veo que se pone mucho trabajo en videoclips y comunidad con los fans…
D: Daniel Quien es una comunidad, en realidad es una piedra angular de un movimiento con el que se identifican muchas personas, que es la nueva psicodelia. ¿Qué es la nueva psicodelia? Es una nueva forma de ver tanto la interpretación de la música como la interpretación de los sentimientos, y el cómo reacciones ante la vida que nos tocó padecer. Yo defiendo mucho que el artista de tiempos modernos es radicalmente muy distinto al artista de otra época, por el mundo hiper-estimulado que nos tocó padecer, entonces la nueva psicodelia es una invitación a ser introspectivos, a mirar hacia adentro, y a que, poniendo un poco de atención a tu mente puedes llegar a ideas y resoluciones muy cabronas, y con eso puedas ver la música no solo como entretenimiento o estético, sino como una oportunidad de crecer y hacer un despliegue de tu ser. Los que vienen a verme en vivo, los que compran mis discos o me siguen no lo hacen por una sola canción, sino porque se identifican con un mensaje total que engloban las canciones y el sonido.
I: Estás cerrando el 2025 con varias fechas del Nostalgia Tour, cuéntanos cómo te ha ido con esta gira
D: Ha estado muy perro, yo esperaba que la gente se ondeara por el nuevo sonido… no a todas a las fechas he podido llevar a la banda completa, siempre ha dependiendo si la ciudad es grande o chica, a donde llevo a la banda completa grabo, subo los videos y la gente empieza a entender el pedo. El primer vergazo difícil fue Ciudad de México, fue la primera vez que presenté a la Nostalgia Banda para tocar en vivo con la gente, después de eso se empezó a correr la voz de que estaba bien vergas el show. Y me siento contento porque la gente está agarrando el pedo, de que este es un nuevo camino. Esta etapa de la música mexicana está en pañales, y creo que siempre tiene que haber estos exponentes que te muestren una dirección distinta a donde se puede tornar todo este mundo tan interesante que es la música mexicana.
I: ¿Tienes fechas en suademérica también cierto?
D: Sí, es la primera vez que iremos por allá, antes no había podido ir porque las canciones en las que estaba enfocado eran mucho de banda completa, pero ahora que traigo este concepto, de banda, que también se combina mucho con lo acústico, es mi oportunidad de abrirnos por esos lados, presentando parte de mis raíces y decirles esto es lo que soy, esto es lo que traigo, qué les parece.
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“Un festival para la gente de Ensenada”: luces, cámara y acción en el Festival Internacional de Cine en Ensenada 2025
Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés GarcíaEl esperado Festival Internacional de Cine en Ensenada 2025 realizó su evento de inauguración el jueves 20 de noviembre. La fiesta se llevó a cabo en el icónico Centro Social y Cultural Riviera. Delante de un hermoso jardín de cempasúchil colocaron la alfombra roja, donde los actores, directores, productores y guionistas de todas las obras de esta edición lucieron sus mejores atuendos.
Muchas de estas personalidades presentaron su ópera prima y son estudiantes o jóvenes aficionados del cine. De acuerdo a los organizadores, este festival es un pilar cultural para la escena cinematográfica de nuestra ciudad, ya que sirve como un foro de networking y difusión para todos los artistas de la zona.
Caleb Triana Romero, director y programador del festival, nos contó sobre la importancia de este evento: “Para Ensenada este festival es un spotlight muy grande, porque hace match entre medios y grandes personalidades como los invitados que tenemos. Esto ha sido una pieza fundamental para el avance de la cinematografía; una de las películas del año pasado ya está en salas comerciales”.
Dentro de las películas seleccionadas hay una gran variedad de géneros y formatos: desde películas con híbrido de animación y live action, hasta documentales sobre problemáticas sociales. Hay algo para todos los gustos. Estas cintas serán estrenadas en el Museo Caracol, el Centro Estatal de las Artes de Ensenada (CEARTE) y Cinépolis Plaza Marina, con costos variados.
Lo que no tiene costo son las actividades adicionales que se realizaron, como talleres, master classes y pláticas que se llevarán a cabo en el Museo Caracol, CEARTE, Casa de la Cultura y en el Centro Social y Cultural Riviera. Entre los temas encontramos lenguaje cinematográfico, realización de carpetas para los proyectos, reuniones de cineastas, entre otros.
Caleb nos informa que para futuras ediciones se busca un crecimiento de forma regional y llegar hasta Baja California Sur, Sonora, Sinaloa y Chihuahua con funciones o convocatorias especiales para la gente del norte.
Si quieren participar en la siguiente edición, existen dos convocatorias que les permitirán entrar al festival: Baja en Corto, donde se presentan proyectos de cortometrajes realizados en Baja California, y Pitchlab, una incubadora de proyectos para todos los que quieran dar un paso hacia adelante con sus propuestas.
La noche cerró en el encantador salón del Riviera, que fue decorado para la ocasión y donde todos los invitados se reunieron a celebrar sus logros. Se realizó un breve discurso de inauguración, dando así comienzo al festival para la gente de Ensenada.
No olvides seguir las páginas del Festival de Cine de Ensenada para estar al pendiente de próximas actividades:
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Los Portales a la melancolía de Ramona
Redacción por Iván Gutiérrez
En este mundo existen energías que no logramos ver, pero sí sentir. Basta con pensar en cuando un ser amado parte anticipadamente, pero su recuerdo, su memoria y su amor sigue visitándonos. En ocasiones los portales que conectan este plano con el otro se abren, y es entonces cuando la magia se libera.
Grandes representes de la música independiente mexicana contemporánea, la banda Ramona trae para nosotros un nuevo álbum donde estas energías misteriosas se transforman en sonidos psicodélicos, letras melancólicas y vibraciones místicas. Su nombre es “Portales”, una invitación a explorar lo que trasciende nuestros sentidos. Con la curiosidad de ahondar más a fondo en los sonidos, el origen y el concepto de esta nueva entrega musical, conversamos con esta banda tijuanense que tantas grandes canciones nos ha regalado previamente.
Iván: Si bien Ramona siempre ha tenido esta influencia de autores y cantantes del Siglo XX, esas melodías de baladas de los 70s y 80s, siento que en este álbum fueron más allá y realmente fusionaron de forma espectacular su sonido indie melancólico con estas influencias, ¿cómo se llegó a esto en Portales?
Rramona: Portales es un disco muy nostálgico, que habla de la combinación del pasado y de los recuerdos que uno tiene de la vida, y a eso lo acompaña la música. Una influencia muy grande para este disco fue Piero, un artista argentino que canta increíble y tiene canciones muy llegadoras, mucha gente podría decir que tiene música muy triste, pero para mí es música muy espiritual, que habla desde el alma.
I: Es un álbum de mucha paz, mucha tranquilidad, lo sentí como un álbum muy reflexivo, en las letras se siente mucha introspección… hay declaraciones muy personales (Murió mi hermano y nació otro igual a mí)
R: No es casualidad que el disco se llame portales. Creemos que la música es un portal hacia las energías que no podemos ver pero sí sentir, dígase los espíritus, las almas. De eso va la canción de “Un Año Más”, de cómo todo es cíclico: la energía no se destruye, solo se transforma. El disco en sí es muy mágico.
I: En la canción de Un Año Más me gustó mucho la incorporación de ritmos que suenan de cierta forma como si fueran de origen africano, oriental o algo similar, ¿es un guiño a Los Beatles en la India?
R: De hecho la canción sí tiene algo ahí medio hindú, es un solo acorde toda la canción, como en los cantos orientales. La canción la grabamos cuatro percusionistas en un cuarto, haciendo todos los ritmos.
I: Un Hombre Invisible es mi canción favorita del álbum, me recuerda muchísimo a Piero (de quien sé eres gran admirador),y hasta a Caballeros del Zodiaco, ¿nos puedes platicar más sobre el origen de esta composición?
R: Es una canción que escribí el día del eclipse solar de 2024, ese día estaba por el centro de Tijuana, llegué a una librería para comprar un libro e inspirarme, compré uno de Pablo Neruda que tiene un poema con ese nombre: el hombre invisible, que habla de cómo este hombre es un ente que está robándose las historias de las personas y de los artistas, yo lo pensé en la manera en que los artistas solo cumplen la función de ser un canal para esas historias que ya están ahí, en el aire. También habla del amor, lo más importante que hay en este mundo, y de los espíritus. Creo que esa canción fue muy importante para el álbum, fue la que definió el sonido.
I: Sobre la producción del álbum, ¿hubo algún reto en particular en esta producción, en contraste con otros álbumes de Ramona?
R: Fue un álbum muy fluido, como que las canciones se hicieron rápido, la temática ya estaba desde el principio. Para mí (Jesús Guerrero) es el mejor álbum que tenemos, se siente feo comprar los discos porque ninguno es mejor que otro realmente, pero por otro lado, se siente bien decir que lo más nuevo es lo mejor, porque esa es la intención: mejorar siempre. Siento que nuestro sonido ha madurado.
Para mí (Dhalia)… siento que este disco tiene bastante fluidez, todas las canciones van de la mano, como que todas están contando la misma historia, es un álbum circular.
I: El arte que han manejado para este álbum es muy interesante, pareciera tener influencias del Mago de Oz, con cierto tipo de magia… ¿quién estuvo a cargo de ello y cómo se les ocurrió?
R: Tiene muchas influencias de los 70s, como Black Sabbath que usaba mucho el ocultismo y los símbolos místicos como propuesta estética, porque de hecho el álbum habla de muchas cosas que están ocultas, de las energías que no se ven pero están ahí, eso quisimos reflejar en el arte. Lo hizo un amigo de Tijuana que se llama Edgar Toroide, gran artista.
I: Me pareció increíble la energía de su show en vivo, hay tantos estilos musicales y momentos diversos en un mismo concierto (melancólicos, psicodélicos, rockeros y hasta grunge), canciones para bailar, para cantar, para llorar… impresionante
R: Como estamos tocando mucho tiempo sentimos que es importante eso, que haya diferentes momentos para que no canse, de repente me ha pasado hasta con bandas que me gustan mucho, que se siente muy monótono el show, y más si es un concierto de dos horas, te puede cansar. También como hemos incursionado en diferentes géneros, es una forma de mostrar la versatilidad de la banda. Y como dice Chuy, la música es como un portal, sentimos que este set es una máquina del tiempo por lo que es Ramona.
I: ¿Qué viene en camino para Ramona?
R: Más música, estamos haciendo dos discos, uno lo estamos grabando y el otro ya lo terminamos de grabar pero sigue la mezcla, el máster, el arte, todo lo que conlleva. Uno es más psicodélico, como de jamms; el otro es más de canciones rockeras, ese lo grabamos en Argentina con Tweety Gonzalez (el “cuarto Soda”). Estamos muy contentos porque ha sido un año de mucho trabajo y mucha música, y nada, ¡gracias a todos los que nos escuchan!
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Homenaje con propósito: Ensenada apoya la creación del Corrido de Cristian Vázquez
Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés GarcíaEl viernes 24 de octubre, en el Studio Café, se realizó un homenaje a Cristian Vázquez por parte del compositor local Ay Gregorio!, la Fundación Cultural Cristian Vázquez y la asociación Pluma Joven, sociedad fundada por Cristian dedicada al fomento de la lectura y escritura entre jóvenes. El evento tuvo como objetivo recolectar fondos para producir la canción de “El corrido de Cristian Vázquez”, una pieza que busca denunciar la injusticia de su muerte y honrar lo que hizo en vida.
Pluma Joven es una asociación civil fundada por Cristian Vázquez en Ensenada hace 14 años. Su propósito inicial era crear espacios para escritores jóvenes, y actualmente se dedica a realizar eventos culturales —como el Libro Fest—. La premisa principal es hacer la literatura accesible; aunque al inicio el enfoque era la juventud, hoy trabajan con toda la población en general. Lo hacen bajo los valores de humildad, buscando la cercanía con las personas, respetando a todos y sin poner barreras ante el conocimiento.
Libro Fest es su actividad más popular: una iniciativa para hacer accesible la literatura mediante el intercambio de libros a precios muy bajos. Otras acciones destacadas son el Encuentro Elige para preparatorias y los clubes de escritura, que actualmente cuentan con más de 200 miembros.
Para más información pueden encontrarlos en plumajoven.org, en Facebook (Pluma Joven AC), Instagram (@pluma.joven) y TikTok (@pluma.joven).
Max Zamarripa, vicepresidente de Pluma Joven, nos compartió lo que representó Cristian para la comunidad artística de Ensenada:
“Cristian fue un faro que brilló intensamente. Personalmente, siempre lo vi como un hermano mayor, un guía que me impulsaba a mejorar, y creo que era una figura similar para muchas personas: fomentó su talento y las inspiró. Pluma Joven logró hacer cosas que parecían imposibles gracias a él, que siempre nos impulsaba y apuntaba alto. Hizo mucho por Ensenada y creó un antes y un después para la escena cultural de esta ciudad”.
Por su parte, Miguel Vázquez habló con nosotros sobre su hermano:
“A Cristian le gustaba leer y escribir desde que era pequeño. Estaba lleno de pasión y lo transmitía en todo su trabajo. Decidió crear una comunidad porque quería encontrar gente que compartiera sus pasiones. Pluma Joven fue un espacio para que cualquiera pudiera compartir su arte”.
Miguel espera que este homenaje y esta canción mantengan viva la memoria de su hermano, impulsando la búsqueda de justicia.
El Studio Café fue la sede de este homenaje, así como de múltiples actividades culturales y musicales en Ensenada, con el objetivo de atraer al público local y crear comunidad. Este espacio funciona como un centro cultural, pero también como un estudio de producción para todos los artistas locales, bajo la dirección de Marco Antonio Álvarez.
Durante el homenaje se realizó una lectura de textos de los miembros de Pluma Joven. Max inició con una carta escrita por Cristian sobre la asociación, un texto lleno de esperanza y entusiasmo por el trabajo comunitario. Después leyó un texto propio titulado “Max, perro”, un relato corto desde la perspectiva de un canino sobre la humanidad, la relación con su dueño y el duelo.
A este texto le siguieron varios más, entre los cuales destacaron “Ambas” y “El hogar perdido”. La actividad sirvió como un foro donde cada escritor permitió al público escuchar un poco de su arte y, por consecuencia, ver un pedazo de su alma.
Al finalizar las lecturas, se presentó el proyecto musical Ay, Gregorio!, interpretando canciones con un fuerte peso social y emocional, que abordaron temas como el megapuerto del Sauzal y la guerra en Palestina. Cerraron su participación con “El corrido de Cristian Vázquez”.
Entre los asistentes, Armando González subió al escenario para decir unas palabras sobre Cristian, declarando que fue un héroe y que ahora brilla en el cielo tras haber ayudado a tantas personas. Como última actividad, se realizó un concurso de disfraces —que ganó Campanita— y una clase de baile norteño y cumbia.
Fue una noche emotiva, rodeada de todos aquellos que aprecian la memoria y el trabajo de Cristian, agradeciendo su impacto en cada uno de los asistentes y en Ensenada. El público se llevó consigo un mensaje de resiliencia e inspiración para continuar su legado.
