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Arte para tocar: Contracorriente y Barco reinventan la experiencia museográfica

Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés García¿Una exposición artística que puedes tocar? Suena como un sueño, pero Contracorriente y Barco lo hicieron realidad. Con su exposición táctil “Favor de tocar”, crearon una experiencia única que busca cuestionar la relación tradicional entre el espectador y la obra de arte.
“Usualmente, cuando vas a un museo o una colección privada no puedes tocar las piezas, ya sea por su valor, por el derecho de posesión o por las limitaciones del espacio. Convocamos de manera explícita a artistas que prestaron su obra con el permiso de permitir al público vivir una experiencia que fuera más allá de lo común, creando un espacio de reflexión sobre la distancia que mantenemos con el arte y cómo, al romperla, podemos crear una conexión más profunda”, explica Elsa Alexandra Magaña Lucero, directora de Contracorriente.

La exposición se llevó a cabo en el sexto aniversario de La Oficina, espacio que en sus primeros años funcionó como galería y que, con el tiempo, evolucionó hacia un centro de talleres artísticos. Por su parte, Barco —conformado por Andrea Lomelí, Cristina García, Matilda Ulloa y Daniela Gutiérrez— nació como un proyecto escolar: un sitio web con la intención de crear puentes entre artistas y público, acercando el arte local a la comunidad bajo el lema “Volver accesible el mundo del arte creando una comunidad en Ensenada”.
En 2025 comenzó su colaboración con Contracorriente para atender la necesidad de abrir un espacio expositivo con dinámicas museográficas, iniciando así la historia conjunta de ambos proyectos.

Entre las obras que integran la muestra se encuentra “Romperse en caso de ser necesario”, de Dalí García, una pieza de cerámica de alta temperatura que guarda fragmentos escritos en su interior. La obra propone un gesto de liberación contenida y explora la vulnerabilidad y la destrucción como caminos hacia la comprensión y la reconstrucción emocional. Al romper la cerámica, el espectador accede a los textos escondidos dentro de ella, reflexionando sobre la belleza de lo imperfecto, la narrativa del dolor pasado y su transformación a través del lenguaje material.

La exposición también reúne bitácoras de arte y poemas digitales cargados de momentos personales, esculturas sonoras que invitan a jugar con el sonido, una instalación que refracta, un cojín lleno de objetos, una pieza que aborda la crisis de feminicidios, y un camino diseñado para coleccionar los restos simbólicos de quienes lo recorren.





El proyecto fue un éxito rotundo: en una de las visitas guiadas, cerca de 50 personas interactuaron simultáneamente con las obras, generando una experiencia comunitaria en la que el tacto se convirtió en lenguaje. Para Elsa, esto abrió una reflexión necesaria sobre los modos de hacer museografía.
Contracorriente busca acercar el arte a la comunidad de forma original, alejándose del elitismo y fomentando un arte socialmente consciente. Su objetivo a largo plazo es seguir produciendo exposiciones que desmitifiquen las dinámicas arcaicas del mundo del arte, generando conocimiento desde la práctica. Actualmente, el espacio ofrece clases de pintura y cerámica, visitas guiadas, una tienda de arte accesible y una ventanilla de bebidas inspiradas en las mascotas de los artistas.
Hoy, Contracorriente se ha convertido en un refugio para artistas jóvenes: un lugar al que pueden acercarse quienes están iniciando su carrera en Ensenada. El equipo mantiene las puertas abiertas para generar vínculos, colaborar y compartir con cada visitante.


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Nostalgia Banda: 14 formas de hacer regional mexicano por Daniel Quien

Redacción por Iván Gutiérrez
Es notorio que en la última década el noroeste de México se ha posicionado como campo fértil de proyectos musicales auténticos e innovadores. Hablando en particular del indie-folk, el nombre de Daniel Quien salta de inmediato como uno de los exponentes clave en este movimiento de talentos norteños. Sin embargo, este cantautor originario de Mazatlán, Sinaloa, no se ha conformado con ser uno de los referentes de este género a nivel nacional. Ahora, con su álbum “Nostalgia Banda”, este músico apasionado demuestra que también puede integrar el sonido regional de su tierra sinaloense en su propuesta musical. Acompáñanos en esta entrevista donde desmenuzamos nota a nota esta obra maravillosa que es Nostalgia Banda.
I: Platícanos de tu nuevo album, Nostalgia Banda, ¿qué hay dentro de esta nueva entrega de Daniel Quien?
D: Son 14 canciones, 14 formas diferentes de hacer regional mexicano, todo es una alusión a la banda sinaloense. Al haber crecido allá y pasar mi niñez, adolescencia y parte de mi adultez, pude constatar que es lo que mueve a la gente, lo que ponen en las fiestas y en momentos especiales. La banda sinaloense tiene una fuerza muy especial, tanto para la gente de Sinaloa como de México, es algo que ha estado presente en la cultura popular de México por muchas décadas. Lo que hace un artista moderno es reinterpretar lo que el público ya siente en su corazón y amplificarlo a ciertos rumbos, es lo que quise hacer con el álbum de Nostalgia Banda. El nombre viene por ser una oda a la nostalgia y por esta referencia a la banda sinaloense. Es interesante porque vengo de un paradigma digamos… más rígido. Había estado haciendo folk, rock psicodélico, jazz, progresivo, y esa libertad melódica y lírica de la banda sinaloense me ha brindado muchas ideas en cuestión vocal y armónica. Ha sido una nueva aventura, como empezar de cero.
I: ¿Dices empezar de cero por esta exploración del regional?
D: En parte por eso, por explorar el género, para hacer algo diferente, para hacer algo que aporte y crear algo con tu propio estilo. En segunda, también porque los fans se acostumbran a algo. Mis fans vienen de una etapa muy dura en donde yo representaba el rock psicodélico contemporáneo en México, pero siento que ya la rompí en ese aspecto y quise ver hacia donde me podía dirigir, que terminó siendo el regional, mis raíces, entonces Nostalgia Banda es un primer vistazo hacia lo que puede ser el futuro de Daniel Quien, ya no solo para escuchas alternativos, sino para un público masivo. Es como un nuevo inicio.

I: ¿David Aguilar es productor de todo el álbum?
D: Dos productores estuvieron involucrados en la producción del álbum, David Aguilar y Ulises Jayis. David es de Culiacán, él entiende que onda con la música sinaloense y también con la música académica de todo tipo, y Ulises Jayis es un venezolano muy experimentado en música latinoamericana, entre ambos le dieron el toque latino que necesitaba, dando como resultado canciones que tienen mucha finura pero no se siente una pretensión porque hay un apego a las raíces, y eso se logró gracias a una producción musical de parte de estos dos compas.
I: ¿Cómo se dio esta colab con Walter, canción Entre Copas?
D: Llevamos años siendo compas, siempre hablábamos de hacer una colaboración. Yo conocía su música desde que era Negro, y al igual que con David Aguilar, tenía esa ambición de trabajar con ellos. Con mis trabajos anteriores no estaba muy en sintonía con lo que estaba haciendo Walter, hasta que hice este disco. Él ya estaba regionalizado, hacía un folk pero como una balada de Chalino Sánchez, ya después le llegó una producción musical más choncha que reforzó ese sonido mexicano. Entonces ya encontrándonos en la misma sintonía ya se me hizo coherente invitarlo a una rola mía. Me gustó mucho como quedó su voz y la canción en general.
I: Mujer eres letal es uno de los temas que se me hicieron más interesantes en el álbum, justo por tener esta mezcla de rock psicodélico y regional…
D: Siempre hay que ver no lo que hace el artista, sino lo que escucha. Mi público sabe que soy alguien que está obsesionado con los Beatles, con la música psicodélica, con muchas corrientes que corresponde a un ejercicio que se llama “secciones” o “rapsodia”, entonces esta música va intencionada a que cada sección se sienta diferente, y que de esa forma la canción tenga universos distintos en la misma obra. Yo lo aprendí con A Day in the Life, de Los Beatles. Muchas de mis canciones siguen esa línea, pero en Mujer eres Letal lo hicimos más notorio.
I: Compártenos tres canciones que quieras recomendar del Nostalga Banda, para el público que todavía no te conoce…
D: La tercera es “El Llamado”, la toque acústica o en versión de estudio, tiene expresividad, tiene discurso y se sostiene por su propia melodía y mensaje, y el mensaje es fuerte, admitir que cuando uno se enamora simplemente está siguiendo una orden superior que te arrastra. La segunda sería… “Ultramodos sexuales”, es una rola muy sencilla y bonita, pero también está cargada de un mundo sonoro muy intenso, y eso es porque es mi única canción triste donde honestamente estoy plasmando algo de mi vida: todas las otras canciones tristes son ficciones o historias de amigos que me cuentan y las hago canciones, pero ésta se inspiró en una historia personal, y vaya que le sufrí al componerla.
El primer lugar sería para “Coordenadas exactas”, simplemente porque yo soy alguien más de melodías que de letras o instrumentación, a mí me fascinan las melodías, entonces coordenadas se me hace que es una canción que, aunque le quites la letra, sobrevive a nivel sonoro, a nivel barroco, y el coro se me hace una de mis expresiones melódicas más elevadas al momento, me siento muy conectado con esa melodía y orgulloso de haberla compuesto.
I: He visto tu proyecto desde hace tiempo, veo que se pone mucho trabajo en videoclips y comunidad con los fans…
D: Daniel Quien es una comunidad, en realidad es una piedra angular de un movimiento con el que se identifican muchas personas, que es la nueva psicodelia. ¿Qué es la nueva psicodelia? Es una nueva forma de ver tanto la interpretación de la música como la interpretación de los sentimientos, y el cómo reacciones ante la vida que nos tocó padecer. Yo defiendo mucho que el artista de tiempos modernos es radicalmente muy distinto al artista de otra época, por el mundo hiper-estimulado que nos tocó padecer, entonces la nueva psicodelia es una invitación a ser introspectivos, a mirar hacia adentro, y a que, poniendo un poco de atención a tu mente puedes llegar a ideas y resoluciones muy cabronas, y con eso puedas ver la música no solo como entretenimiento o estético, sino como una oportunidad de crecer y hacer un despliegue de tu ser. Los que vienen a verme en vivo, los que compran mis discos o me siguen no lo hacen por una sola canción, sino porque se identifican con un mensaje total que engloban las canciones y el sonido.

I: Estás cerrando el 2025 con varias fechas del Nostalgia Tour, cuéntanos cómo te ha ido con esta gira
D: Ha estado muy perro, yo esperaba que la gente se ondeara por el nuevo sonido… no a todas a las fechas he podido llevar a la banda completa, siempre ha dependiendo si la ciudad es grande o chica, a donde llevo a la banda completa grabo, subo los videos y la gente empieza a entender el pedo. El primer vergazo difícil fue Ciudad de México, fue la primera vez que presenté a la Nostalgia Banda para tocar en vivo con la gente, después de eso se empezó a correr la voz de que estaba bien vergas el show. Y me siento contento porque la gente está agarrando el pedo, de que este es un nuevo camino. Esta etapa de la música mexicana está en pañales, y creo que siempre tiene que haber estos exponentes que te muestren una dirección distinta a donde se puede tornar todo este mundo tan interesante que es la música mexicana.
I: ¿Tienes fechas en suademérica también cierto?
D: Sí, es la primera vez que iremos por allá, antes no había podido ir porque las canciones en las que estaba enfocado eran mucho de banda completa, pero ahora que traigo este concepto, de banda, que también se combina mucho con lo acústico, es mi oportunidad de abrirnos por esos lados, presentando parte de mis raíces y decirles esto es lo que soy, esto es lo que traigo, qué les parece.

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“Un festival para la gente de Ensenada”: luces, cámara y acción en el Festival Internacional de Cine en Ensenada 2025

Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés GarcíaEl esperado Festival Internacional de Cine en Ensenada 2025 realizó su evento de inauguración el jueves 20 de noviembre. La fiesta se llevó a cabo en el icónico Centro Social y Cultural Riviera. Delante de un hermoso jardín de cempasúchil colocaron la alfombra roja, donde los actores, directores, productores y guionistas de todas las obras de esta edición lucieron sus mejores atuendos.




Muchas de estas personalidades presentaron su ópera prima y son estudiantes o jóvenes aficionados del cine. De acuerdo a los organizadores, este festival es un pilar cultural para la escena cinematográfica de nuestra ciudad, ya que sirve como un foro de networking y difusión para todos los artistas de la zona.
Caleb Triana Romero, director y programador del festival, nos contó sobre la importancia de este evento: “Para Ensenada este festival es un spotlight muy grande, porque hace match entre medios y grandes personalidades como los invitados que tenemos. Esto ha sido una pieza fundamental para el avance de la cinematografía; una de las películas del año pasado ya está en salas comerciales”.



Dentro de las películas seleccionadas hay una gran variedad de géneros y formatos: desde películas con híbrido de animación y live action, hasta documentales sobre problemáticas sociales. Hay algo para todos los gustos. Estas cintas serán estrenadas en el Museo Caracol, el Centro Estatal de las Artes de Ensenada (CEARTE) y Cinépolis Plaza Marina, con costos variados.
Lo que no tiene costo son las actividades adicionales que se realizaron, como talleres, master classes y pláticas que se llevarán a cabo en el Museo Caracol, CEARTE, Casa de la Cultura y en el Centro Social y Cultural Riviera. Entre los temas encontramos lenguaje cinematográfico, realización de carpetas para los proyectos, reuniones de cineastas, entre otros.


Caleb nos informa que para futuras ediciones se busca un crecimiento de forma regional y llegar hasta Baja California Sur, Sonora, Sinaloa y Chihuahua con funciones o convocatorias especiales para la gente del norte.
Si quieren participar en la siguiente edición, existen dos convocatorias que les permitirán entrar al festival: Baja en Corto, donde se presentan proyectos de cortometrajes realizados en Baja California, y Pitchlab, una incubadora de proyectos para todos los que quieran dar un paso hacia adelante con sus propuestas.

La noche cerró en el encantador salón del Riviera, que fue decorado para la ocasión y donde todos los invitados se reunieron a celebrar sus logros. Se realizó un breve discurso de inauguración, dando así comienzo al festival para la gente de Ensenada.
No olvides seguir las páginas del Festival de Cine de Ensenada para estar al pendiente de próximas actividades:
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Los Portales a la melancolía de Ramona

Redacción por Iván Gutiérrez
En este mundo existen energías que no logramos ver, pero sí sentir. Basta con pensar en cuando un ser amado parte anticipadamente, pero su recuerdo, su memoria y su amor sigue visitándonos. En ocasiones los portales que conectan este plano con el otro se abren, y es entonces cuando la magia se libera.
Grandes representes de la música independiente mexicana contemporánea, la banda Ramona trae para nosotros un nuevo álbum donde estas energías misteriosas se transforman en sonidos psicodélicos, letras melancólicas y vibraciones místicas. Su nombre es “Portales”, una invitación a explorar lo que trasciende nuestros sentidos. Con la curiosidad de ahondar más a fondo en los sonidos, el origen y el concepto de esta nueva entrega musical, conversamos con esta banda tijuanense que tantas grandes canciones nos ha regalado previamente.
Iván: Si bien Ramona siempre ha tenido esta influencia de autores y cantantes del Siglo XX, esas melodías de baladas de los 70s y 80s, siento que en este álbum fueron más allá y realmente fusionaron de forma espectacular su sonido indie melancólico con estas influencias, ¿cómo se llegó a esto en Portales?
Rramona: Portales es un disco muy nostálgico, que habla de la combinación del pasado y de los recuerdos que uno tiene de la vida, y a eso lo acompaña la música. Una influencia muy grande para este disco fue Piero, un artista argentino que canta increíble y tiene canciones muy llegadoras, mucha gente podría decir que tiene música muy triste, pero para mí es música muy espiritual, que habla desde el alma.

I: Es un álbum de mucha paz, mucha tranquilidad, lo sentí como un álbum muy reflexivo, en las letras se siente mucha introspección… hay declaraciones muy personales (Murió mi hermano y nació otro igual a mí)
R: No es casualidad que el disco se llame portales. Creemos que la música es un portal hacia las energías que no podemos ver pero sí sentir, dígase los espíritus, las almas. De eso va la canción de “Un Año Más”, de cómo todo es cíclico: la energía no se destruye, solo se transforma. El disco en sí es muy mágico.
I: En la canción de Un Año Más me gustó mucho la incorporación de ritmos que suenan de cierta forma como si fueran de origen africano, oriental o algo similar, ¿es un guiño a Los Beatles en la India?
R: De hecho la canción sí tiene algo ahí medio hindú, es un solo acorde toda la canción, como en los cantos orientales. La canción la grabamos cuatro percusionistas en un cuarto, haciendo todos los ritmos.

I: Un Hombre Invisible es mi canción favorita del álbum, me recuerda muchísimo a Piero (de quien sé eres gran admirador),y hasta a Caballeros del Zodiaco, ¿nos puedes platicar más sobre el origen de esta composición?
R: Es una canción que escribí el día del eclipse solar de 2024, ese día estaba por el centro de Tijuana, llegué a una librería para comprar un libro e inspirarme, compré uno de Pablo Neruda que tiene un poema con ese nombre: el hombre invisible, que habla de cómo este hombre es un ente que está robándose las historias de las personas y de los artistas, yo lo pensé en la manera en que los artistas solo cumplen la función de ser un canal para esas historias que ya están ahí, en el aire. También habla del amor, lo más importante que hay en este mundo, y de los espíritus. Creo que esa canción fue muy importante para el álbum, fue la que definió el sonido.
I: Sobre la producción del álbum, ¿hubo algún reto en particular en esta producción, en contraste con otros álbumes de Ramona?
R: Fue un álbum muy fluido, como que las canciones se hicieron rápido, la temática ya estaba desde el principio. Para mí (Jesús Guerrero) es el mejor álbum que tenemos, se siente feo comprar los discos porque ninguno es mejor que otro realmente, pero por otro lado, se siente bien decir que lo más nuevo es lo mejor, porque esa es la intención: mejorar siempre. Siento que nuestro sonido ha madurado.
Para mí (Dhalia)… siento que este disco tiene bastante fluidez, todas las canciones van de la mano, como que todas están contando la misma historia, es un álbum circular.


I: El arte que han manejado para este álbum es muy interesante, pareciera tener influencias del Mago de Oz, con cierto tipo de magia… ¿quién estuvo a cargo de ello y cómo se les ocurrió?
R: Tiene muchas influencias de los 70s, como Black Sabbath que usaba mucho el ocultismo y los símbolos místicos como propuesta estética, porque de hecho el álbum habla de muchas cosas que están ocultas, de las energías que no se ven pero están ahí, eso quisimos reflejar en el arte. Lo hizo un amigo de Tijuana que se llama Edgar Toroide, gran artista.
I: Me pareció increíble la energía de su show en vivo, hay tantos estilos musicales y momentos diversos en un mismo concierto (melancólicos, psicodélicos, rockeros y hasta grunge), canciones para bailar, para cantar, para llorar… impresionante
R: Como estamos tocando mucho tiempo sentimos que es importante eso, que haya diferentes momentos para que no canse, de repente me ha pasado hasta con bandas que me gustan mucho, que se siente muy monótono el show, y más si es un concierto de dos horas, te puede cansar. También como hemos incursionado en diferentes géneros, es una forma de mostrar la versatilidad de la banda. Y como dice Chuy, la música es como un portal, sentimos que este set es una máquina del tiempo por lo que es Ramona.


I: ¿Qué viene en camino para Ramona?
R: Más música, estamos haciendo dos discos, uno lo estamos grabando y el otro ya lo terminamos de grabar pero sigue la mezcla, el máster, el arte, todo lo que conlleva. Uno es más psicodélico, como de jamms; el otro es más de canciones rockeras, ese lo grabamos en Argentina con Tweety Gonzalez (el “cuarto Soda”). Estamos muy contentos porque ha sido un año de mucho trabajo y mucha música, y nada, ¡gracias a todos los que nos escuchan!

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Homenaje con propósito: Ensenada apoya la creación del Corrido de Cristian Vázquez

Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés GarcíaEl viernes 24 de octubre, en el Studio Café, se realizó un homenaje a Cristian Vázquez por parte del compositor local Ay Gregorio!, la Fundación Cultural Cristian Vázquez y la asociación Pluma Joven, sociedad fundada por Cristian dedicada al fomento de la lectura y escritura entre jóvenes. El evento tuvo como objetivo recolectar fondos para producir la canción de “El corrido de Cristian Vázquez”, una pieza que busca denunciar la injusticia de su muerte y honrar lo que hizo en vida.

Pluma Joven es una asociación civil fundada por Cristian Vázquez en Ensenada hace 14 años. Su propósito inicial era crear espacios para escritores jóvenes, y actualmente se dedica a realizar eventos culturales —como el Libro Fest—. La premisa principal es hacer la literatura accesible; aunque al inicio el enfoque era la juventud, hoy trabajan con toda la población en general. Lo hacen bajo los valores de humildad, buscando la cercanía con las personas, respetando a todos y sin poner barreras ante el conocimiento.
Libro Fest es su actividad más popular: una iniciativa para hacer accesible la literatura mediante el intercambio de libros a precios muy bajos. Otras acciones destacadas son el Encuentro Elige para preparatorias y los clubes de escritura, que actualmente cuentan con más de 200 miembros.
Para más información pueden encontrarlos en plumajoven.org, en Facebook (Pluma Joven AC), Instagram (@pluma.joven) y TikTok (@pluma.joven).
Max Zamarripa, vicepresidente de Pluma Joven, nos compartió lo que representó Cristian para la comunidad artística de Ensenada:
“Cristian fue un faro que brilló intensamente. Personalmente, siempre lo vi como un hermano mayor, un guía que me impulsaba a mejorar, y creo que era una figura similar para muchas personas: fomentó su talento y las inspiró. Pluma Joven logró hacer cosas que parecían imposibles gracias a él, que siempre nos impulsaba y apuntaba alto. Hizo mucho por Ensenada y creó un antes y un después para la escena cultural de esta ciudad”.
Por su parte, Miguel Vázquez habló con nosotros sobre su hermano:
“A Cristian le gustaba leer y escribir desde que era pequeño. Estaba lleno de pasión y lo transmitía en todo su trabajo. Decidió crear una comunidad porque quería encontrar gente que compartiera sus pasiones. Pluma Joven fue un espacio para que cualquiera pudiera compartir su arte”.
Miguel espera que este homenaje y esta canción mantengan viva la memoria de su hermano, impulsando la búsqueda de justicia.

El Studio Café fue la sede de este homenaje, así como de múltiples actividades culturales y musicales en Ensenada, con el objetivo de atraer al público local y crear comunidad. Este espacio funciona como un centro cultural, pero también como un estudio de producción para todos los artistas locales, bajo la dirección de Marco Antonio Álvarez.
Durante el homenaje se realizó una lectura de textos de los miembros de Pluma Joven. Max inició con una carta escrita por Cristian sobre la asociación, un texto lleno de esperanza y entusiasmo por el trabajo comunitario. Después leyó un texto propio titulado “Max, perro”, un relato corto desde la perspectiva de un canino sobre la humanidad, la relación con su dueño y el duelo.
A este texto le siguieron varios más, entre los cuales destacaron “Ambas” y “El hogar perdido”. La actividad sirvió como un foro donde cada escritor permitió al público escuchar un poco de su arte y, por consecuencia, ver un pedazo de su alma.





Al finalizar las lecturas, se presentó el proyecto musical Ay, Gregorio!, interpretando canciones con un fuerte peso social y emocional, que abordaron temas como el megapuerto del Sauzal y la guerra en Palestina. Cerraron su participación con “El corrido de Cristian Vázquez”.

Entre los asistentes, Armando González subió al escenario para decir unas palabras sobre Cristian, declarando que fue un héroe y que ahora brilla en el cielo tras haber ayudado a tantas personas. Como última actividad, se realizó un concurso de disfraces —que ganó Campanita— y una clase de baile norteño y cumbia.


Fue una noche emotiva, rodeada de todos aquellos que aprecian la memoria y el trabajo de Cristian, agradeciendo su impacto en cada uno de los asistentes y en Ensenada. El público se llevó consigo un mensaje de resiliencia e inspiración para continuar su legado.

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¡De Veracruz a Ensenada llega el fuego de Los Choclok!

Redacción por Iván Gutiérrez
Fotos: cortesíaDesde los 50 grados ardientes del sur de Veracruz llega este jueves 30 de octubre a Ensenada la sabrosa fusión de Los Choclok, banda que mezcla de forma única reggae, jazz, ska, música folclórica y rock. Visitando por tercera vez el puerto, ahora bajo su gira “Quince Tour” —en celebración de los 15 años de su música—, esta Big Band mexicana armará la fiesta en La Capilla.
Aprovechando la vuelta, tuvimos la oportunidad de conversar con Jacobo José Grajales, voz principal de la agrupación, platicando sobre su nuevo EP “Quince” y la visión que esta icónica banda de la escena mexicana independiente tiene sobre la música.
Iván: Se sabe que en Veracruz hay mucho músico talentoso, ¿a qué creen que se deba eso?
Jacobo: Nos encontramos en el Istmo de Tehuantepec, donde es común que convergen culturas de Chiapas, Oaxaca, Tabasco y Veracruz, es un lugar muy rico en aspectos culturales, hay mucha gente que está haciendo no solo música sino arte en muchas manifestaciones, es algo que he visto siempre desde chico, y bueno es un pro y un contra, un contra porque nos acostumbramos a ello y luego al arte no le damos el valor que tiene, pero eso mismo hace que mucha flota se involucre en la creación artística.
I: Tengo entendido que Choclok busca este balance entre rescatar la música tradicional y nuevas tendencias, ¿cierto?
J: Aunado a lo anterior, siempre ha estado presente la música tradicional en el sur de Veracruz, como el Son Jarocho, pero también polkas, música tradicional oaxaqueña, la música de marimba de Chiapas, siempre ha estado presente lo tradicional. Al mismo tiempo, con el avance tecnológico, empezamos a descargar y escuchar música de otros lados, y eso hizo que tuviéramos curiosidad de ver cómo era el ska, el reggae, la cumbia de otros lados.
Cuando empezamos a tomar las cosas en serio, haciendo música para otras personas y no solo para nosotros, iba intrínseco el son jarocho, porque la melodía, las cosas de las que hablamos, las formas de hacer la rima, vienen de ahí, pero empezamos a estudiar otros géneros; la mitad del grupo estudió jazz, y se empezó a experimentar con el funk, el blues, el jazz.

Ahora somos 12 integrantes y no dejamos la chamba a uno o dos, sino que todos participamos. Se empieza una canción en forma de reggae y termina siendo una cumbia experimental, y bueno ahora tenemos más influencias que nunca, ya que hay miembros que vienen de otros estados, Pablo de Oaxaca, David de Hidalgo, Aldo de Chihuahua… los Choclok ya es algo que se nutre de otras culturas de México.
I: Los Choclok tienen un mensaje muy claro de resistencia en varias de sus letras, ¿cómo perciben esta conexión entre música y resistencia?
J: Creemos que es muy importante. Con el paso del tiempo te das cuenta que cada músico, en lo que hace, busca cosas diferentes. Nosotros como músicos, todos de forma colectiva (aunque tenemos nuestras diferencias), sostenemos esto de decir lo que pensamos. El hecho de que tengamos la oportunidad de hacer música, nos entrega esta satisfacción de decir lo que se quiere. Muchas veces la música trata de mercantilizarse y solo habla del amor y desamor, y está bien, pero hay muchas formas de hablar de eso, y desde ahí empezamos a trabajar esa protesta interna, que es algo más personal, y al mismo tiempo no quedarnos callados con las cosas que vemos.
Ha sido muy interesante, porque nosotros, siendo del sur de Veracruz, aún siendo mexicanos, vemos las cosas de diferente forma a, por ejemplo, los de acá de Ensenada, porque la geografía, la cultura y la sociedad son distintas, pero es muy padre cuando escribes algo desde el sur y de repente lo interpreta alguien más en el norte y lo apropia, eso es algo que a nosotros nos gusta bastante. No tenemos problema con decir las cosas que a muchos no les gusta decir, quizás eso no nos ponga en el radar de mucha música comercial, pero sabemos lo que queremos: reflejar cómo es la vida en este lado. Antes ni siquiera estábamos en el mapa, ahora ver que hay gente que se aprende el nombre de nuestro pueblo por nuestras canciones nos motiva bastante.

I: Platícanos de su entrega más reciente, “Quince”, ¿cómo han visto la recepción de este EP entre el público?
J: La gente ha abrazado mucho “Quince”, un álbum que sacamos en celebración de quince años de los Choclok, es un disco que significa mucho para nosotros. Desde el Ariles (2023) hasta el nuevo EP ha sido un trabajo muy importante, porque tuvimos una evolución, desde el Sonido Místico (2015), no solo en la música y en cómo grabamos y lo que decimos, sino en el show en vivo, porque es un juego de emociones, nos vamos desde estar tristes hasta tener ganas de bailar, motivados, ganas de romperle en la madre a alguien, es un regalo que hicimos para nuestra gente que nos sigue desde hace tanto tiempo.
I: Cuéntenos de este “Quince Tour”, ¿por dónde han estado y por dónde más estarán?
J: Fue algo muy espontáneo, acabamos de presentar Ariles y dijimos bueno vamos a cumplir 15 años, en ese momento quizás no dimensionas tanto tiempo, pero ya que nos pusimos a pensar en todo lo que ha transcurrido, decidimos que la gente merecería un regalo de nosotros, porque son 15 años de que la gente nos ha apoyado, entonces fue muy rápido y orgánico, hicimos algo que tuviera la esencia desde los inicios, como los frutos que nos ha dado todo este tiempo, y al mismo tiempo la evolución de la banda. Al empezar a hacer shows fue como traer esa nostalgia de lo recorrido en 15 años, juntando el inicio con lo nuevo.
Y bueno ahora vamos a entrar al estudio para finales de noviembre, vamos a empezar a grabar un nuevo álbum, con varias colaboraciones, tanto canciones viejitas como canciones nuevas, vamos a seguir trabajando. Nos faltan 4 estados de la república para tenerla toda recorrida, nos faltan esos lugares y queremos visitarlos; también tenemos invitaciones para Europa y para Sudamérica, ¡así que a seguirle!

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¡Festival Coincidir, la trinchera del cantautor, celebra 10 años de canciones originales!

Redacción por Mariana Camacho
Fotos por Andrés GarcíaEl Festival Coincidir 2025 volvió a Ensenada con una cartelera llena de talentos locales y nacionales. Este festival se realizó del 16 al 19 de octubre en el Studio Café, donde se montó escenario para que los cantautores compartieran su música y sus historias con la ciudad. El evento estuvo lleno de amantes de la música, ya fuera encima del escenario o como espectadores. Para contarnos más sobre este evento, entrevistamos a una de las organizadoras, Ilse McCarthy, quien nos compartió cómo nació la idea de crear un festival:
“Creamos el festival por la necesidad de darle un espacio a los cantautores. Se usan mucho los espacios como bares o restaurantes para tocar música popular, pero no para cantar canciones de autor. Nos inspiramos en Las Peñas en Ciudad de México y queríamos traer todo esto al norte del país”.
Dentro de los cantantes del viernes 17 se encontraba el cantautor Tonatiuh López, quien compartió historias de amor y desamor con un ritmo agradable y melodías pegadizas. El músico hizo cantar a todos los presentes, consiguiendo un gran momento entre los espectadores del festival. Agradeció a los organizadores del evento, ya que ha estado involucrado desde hace años, asistiendo a este festival.

A su vez, Raúl Zerega y Patty Ibarra nos enseñaron que solo necesitas una guitarra y una gran historia para crear canciones conmovedoras que unen al público. Desde historias sobre crudas hasta relatos introspectivos, los cantautores son los genios de la narrativa musical y necesitan más reconocimiento.
Al preguntarle por su definición de música de cantautor, Ilse le describió como “Música que la canta quien la escribe y no es comercial”. Los artistas que se presentaron en el festival llevaron esa definición al máximo con la diversidad musical y lírica. El Festival Coincidir invita a los artistas destacados en el ámbito de la música de cantautor y realiza una convocatoria de selección para invitar a un nuevo artista cada año. Este año, los ganadores fueron César Baro, de San Quintín, y Aed Moss, de Ensenada.
El festival nació en Ensenada en el año 2015; sin embargo, se ha extendido a otras ciudades con el paso de los años, llegando a Texas, Los Ángeles, Puebla y Ciudad de México. Aunque, de acuerdo a Ilse, siempre vuelven a Ensenada gracias a la comunidad que se ha construido en esta hermosa ciudad.

No olviden seguir las redes sociales del festival (Festival Coincidir en Instagram, Facebook y YouTube), así como las plataformas de algunos de sus cantantes favoritos que conocieron en el festival. Ilse invita a todos los ensenadenses a asistir al evento con la mente abierta para escuchar historias, chistes y anécdotas que nos hagan conectar con el autor y entender a profundidad sus canciones. La comunidad que se forma en este festival es muy unida: puedes hacer amigos que comparten tus intereses e incluso colaborar con los cantautores que se presentan, si es que te interesa empezar a hacer música. Sobre todo, a los jóvenes, quienes pueden encontrar una gran comunidad asistiendo a este festival.

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Silverio: sudor, gargajos y techno del que sí pega

Fotos y redacción por Iván Gutiérrez
Una noche vomitiva, grotesca, llena de sudor, escupitajos y techno experimental del que dejó pendejo a Donald Trump. Así sintetizaría el concierto de su majestad imperial Silverio en La Capilla el pasado jueves 16 de octubre 2025, punto de encuentro de subnormales y raza amante del ruido alternativo.
Alonso Morales “The Jackal” fue el primero en anticiparnos la fiesta y poner a la gente a limpiar la pista de baile desde temprano. Entre los invitados especiales de la noche también estuvieron Abimael Ayeca y Juan Carlos Alvarado, maestros de la cocina y el arte de calmar el munchies nocturno con papas y banderillas exquisitas; y bueno, si de subir la velocidad se trataba, en su menú también tuvieron el brebaje místico de “Horcholoco”, maridaje perfecto para esta reunión en el Salón de Belleza.





Llegada la hora exacta los parlantes anunciaron la maravilla: “Directamente desde Chilpancingo, Guerrero, su majestad imperial Silverio, YEPA, YEPA, YEPA!”, la gente enloqueció y comenzó a gritar tan enloquecida como los gritos de terror de dicho tema.
“¡Pura música para bailar como Mongoloide!”, gritó Silverio, prosiguiendo con el bello ritual de los insultos recíprocos, y la tribu obedeció. “¡Hoy hay repartidor de croquetas!”, anunció antes de empezar con un clásico: “Perro, perro, Que baile con el perro”.

Estalló “El Baile del Diablo” con su poderosísima línea de bajo que te manda directo a la carretera techno, y ya con menos ropa encima Silverio aprovechó para expresarnos su cariño con un “¡Chinguen a su madre, a menear las nalbondigas!”.
No faltaron las interacciones directas llenas de amor con los fans, en las que Silverio aprovechó para lamer cachetes, introducir objetos en bocas, escupir a sus invitados y restregar sus genitales en su tornamesa como símbolo de cariño a su público, al tiempo que compartía palabras de afecto como “¡Tus ojos son mis bolas, mi pene es tu nariz!”.



“Me cayó de todo”, dijo A en su momento. J también compartió su testimonio de experiencia tan enriquecedora: “Tomó mi anillo y se lo metió en el culo”. Por su parte, M expresó un “creo que se meo, era demasiado líquido en su tanga para que fuera cheve derramada, yo creo que sí se meo”. Y H afirmaría: “Creo que esto es lo más punk que hemos tenido en la Capilla”.
El bello recital culminó con temas como “Ella Es… un monstruo cuando bebe alcohol” (un tema para atascados, a mi parecer, como todos los presentes), una versión alteradísima de Yepa Yepa Yepa (“¡Motívame hijo mío!”, le dijo Silverio a quien tenía enfrente) y un tema de distorsiones metaleras pesadas mientras Silverio hacía un último y glorioso baile en pelotas.
“¿Y tú, no bailas? No creo, ¡otro pinche puto día!”. Gracias Silverio por llenarnos de fluidos tan hermosos y música para desmadrarse el alma, como Dios manda.



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Luisa Almaguer llega a Baja California presentando “Weyes”

Redacción por Iván Gutiérrez
Cantante Trans originaria de la Ciudad de México, Luisa Almaguer es una de esas voces cuya existencia se agradece inmensamente, pues en su dolor y su nostalgia muchos hemos encontrado un refugio donde validar nuestras emociones más oscuras. Con 10 años de trayectoria y el éxito rotundo de su material discográfico “Weyes”, la música de esta artista abarca influencias diversas, es “música oscura, triste, medio emo y por ahí una que otra cumbia”, en palabras de Luisa.
El próximo 19 y 20 de septiembre Baja California tendrá el honor de recibir a Almaguer en su primera gira musical por este rincón del país. Acá una entrevista que tuvimos con ella en la que profundizamos más sobre su nueva entrega musical.
Iván: Llevo escuchando tu nuevo álbum desde que salió, Weyes, me parece una entrega muy interesante, me gustaría que nos platicaras sobre él, ¿son composiciones que fuiste creando durante varios meses, años?
Luisa: El “Weyes” tardó un rato, desde desde el 2020 tenía la intención de sacar un nuevo disco, pero bueno pasó la pandemia y cambió la vida, y fue hasta el 2024 que pude concretar la colección de rolas que había estado escribiendo. Algunas tenían 4 años de haberse escrito, algunas se escribieron en el mismo mes en que grabé las canciones.
Parte muy esencial del proyecto fue la producción y participación de Santiago Mijares, mi principal aliado musical en el disco, él hizo la mezcla y la producción, le metió toda la música y realmente también es su obra.
El Máster estuvo a cargo de Sharon Aiza en Panoram Studios. Todo fue una producción independiente, siempre hemos hecho música desde la autogestión y nos interesa seguir así.

I: Por el lado de la producción musical de repente escucho varios detalles muy experimentales, que me parecen geniales, ¿desde el inicio tenían la visión de hacer algo así?
L: Fue todo muy natural y orgánico, realmente fue un encuentro muy afortunado, estábamos muy conectados musicalmente, hasta escuchando los mismos álbumes. La música coincidió con una gran amistad y todo fluyó, lo que Santi proponía me gustaba, me sentí muy tranquila trabajando con él y dejando mis canciones en sus manos: fuimos experimentando y los sonidos naturalmente nos atraían.
I: Dime 3 canciones que le recomendarías de este álbum a alguien que no te haya escuchado… ¿por qué esas canciones?
L: “Wey”, el primer sencillo, una buena descripción del universo sonoro del álbum. Sacamos Video de “Nube” una rola más etérea, pretencioso y larga. “Una Perra”, el corte más rockero y rudo. Del disco pasado, “Hacernos Así”, es una canción que ha agarrado mucha fuerza por la versión de Africa Express y Damon Albarn.
I: ¿Cuál es tu canción favorita del álbum?
L: Me gusta mucho tocar “Nube”, la disfruto mucho, pero también me encanta “Una Perra”, en general el disco me gusta mucho. En esta gira estaremos presentando el álbum “Weyes” junto con algunas canciones del álbum pasado.
I: ¿Por qué hace música Luisa Almaguer?
L: Yo empecé haciendo música porque tenía la necesidad de trasladar mi sufrimiento a algún lado, mi manera de afrontarlo fue ponerme enfrente del teclado. Ahora estoy intentando no depender del sufrimiento, componer desde otros lugares, desde el gozo… es difícil porque la situación en el mundo se está poniendo terrible, el nivel de violencia que las personas trans estamos sufriendo… mucho tiene que ver con el dolor, con lo que me duele como persona trans, pero también quisiera empezar a trabajar a partir del gozo y el placer; creo que el Weyes ya tiene un poco de eso, esta dualidad entre el deseo y la muerte, la oscuridad y esa luz que de repente puede entrar por alguna herida.I: Es tu primera vez visitando Baja California con tu proyecto musical, ¿cómo te sientes al respecto?
L: Muy contenta, me emociona mucho ir por primera vez para ir a cantar y presentar mis canciones, es un lugar precioso, paradisíaco, además tengo mucha afinidad con el desierto, entonces estoy muy emocionada. Sé que es otro público que está acostumbrado a otras cosas, entonces sé que la vara está alta, y van muchos artistas por allá, me emociona mucho ir por primera vez, echar una chelita, y conocer a la banda Trans, qué es lo que está pasando, ver cómo se están moviendo las cosas por allá.



































