Inicio

  • “Palestina Libre”, un álbum colaborativo contra el genocidio sionista

    “Palestina Libre”, un álbum colaborativo contra el genocidio sionista

    Frente al hartazgo de la masacre genocida en Palestina y al silencio de los gobiernos cómplices del sionismo colonialista, nace “Palestina libre”, un álbum solidario y colaborativo que reúne a 50 artistas de 13 países, con 40 canciones por la libertad en 150 minutos de música para la paz.

    Este proyecto es un proceso de activismo colectivo para alzar la voz, protestar, exigir y sensibilizar frente a la crueldad de un genocidio humano inaceptable. La música se convierte aquí en herramienta de denuncia, resistencia y esperanza.

    🎨 La portada del álbum fue seleccionada mediante convocatoria abierta, y la obra ganadora pertenece a Ana Gutiérrez “Catana” (Chile).

    📢 Además del disco, se realizarán conciertos de presentación, muestras audiovisuales y pictóricas con participación de los artistas convocados.

    El proyecto nace de la iniciativa de los músicos españoles Jose Riaza y Eloy Acosta, quienes movilizaron a la comunidad artística internacional para dar forma a este álbum. Se suman la ONG “Más Música, Menos Balas” y la disquera independiente SocSub (Sociedad Subterránea).

    Puedes escuchar el álbum desde el siguiente enlace: https://li.sten.to/palestinalibre

  • Satán Es Real: Luces del norte para los amantes del country

    Satán Es Real: Luces del norte para los amantes del country

    Redacción por Iván Gutiérrez

    Para muchos creyentes el nombre de Satán es causa de espanto. Hay quienes, por el contrario, vemos en esta figura mítica una representación de la rebeldía. Originarios de Mexicali, Baja California, Satán Es Real es una banda con raíces rebeldes que llega desde el norte para demostrarnos que el country está más vivo que nunca y que en español puede sonar impresionante.

    Bajo el liderazgo de Alejandro Ruiz, esta agrupación cachanilla nos recuerda que la maldad tiene múltiples facetas, y que, si bien géneros como el country pueden tener una base musical clásica, también pueden nutrirse de influencias diversas como el Folk, el Rock, el Bluegrass y hasta el Jazz. En entrevista con Persiguiendo el Ruido Alternativo exploramos más a fondo la propuesta musical de esta potente banda, al igual que los detalles de su nuevo lanzamiento “Luces del Norte”.

    Iván: ¿Por qué se llaman Satán Es Real?

    Alex: El proyecto empezó con mucha tendencia al ocultismo e influencias de Alton Lavey, eso de lo malvado siempre nos ha gustado mucho, nos encanta la música punk y el metal. Con Satán Es Real nos hemos inclinado más a lo tradicional del género country, sin dejar la estética “ocultista” de lado en el mismo nombre, metiéndonos a hacer música más digerible, con la que la gente se pueda identificar. 

    El nombre en sí salió de una referencia de un disco de bluegrass del 58, de una banda que se llama The Louvin Brothers, que tienen un disco que se llama Satan Is Real, son cristianos y hablan pues de advertencias cristianas, de cuidarse del diablo, y en la canción homónima al álbum tienen una historia, sobre el sermón de un hombre que hizo mal y le espera el infierno, es un gran álbum, con mucho sonido blusero y gospel de la vieja escuela. 

    Entonces la gente que conoce bluegrass y country viejo, conocen el disco, y sentimos que a nosotros nos quedó ad hoc. Para los Louvin Brothers decir “Satán es Real” es una advertencia, pero para nosotros representa esa conexión con lo oculto que nos atrae y lo punk que simboliza la figura de Satán: la libertad, el rebelarse, el escuchar lo que quieras


    I: ¿Cómo definirían el estilo musical de Satán Es Real? 

    A: En estos 4 años que llevamos componiendo y 2 años como banda establecida, creo que la banda es una aventura de explorar el género y géneros adyacentes, navegando en el country de los 40-50s tipo Hank Williams y Ernest Tubb, pero metiéndonos también en las décadas posteriores donde fue evolucionando el género, pasando por Willie Nelson y otros grandes.

    Como nos gusta la música rápida, también buscamos incorporar mezclas de punk o de música más energética. Algunas serán baladas lentas, pero tenemos otras canciones más rápidas para liberar energía en el escenario. Hay una variante llamada Cow-punk, que es como country-punk, por ahí estamos explorando, también agregamos rocanrol o lo que podemos entender nosotros mismos como Jazz. Lo chido de este género es que se alimenta de muchas fuentes, se abre mucho a experimentar.    

    I: ¿Cómo nace su nuevo sencillo “Luces del Norte”? 

    A: Es una de las primeras canciones compuestas en el proyecto, intentamos sacarla en un EP hace 2 años, pero no pudimos aterrizarla bien, la dejamos pausada. Nos movimos de esos sencillos y fuimos sacando otros. Después de sacar “Torturado” quise sacar “Luces del Norte”, una balada tranquila, como una noche de graduación de los 50s. Me acerqué con Alex Barajas, el productor con el que habíamos empezado la grabación en aquel EP, y metimos voces y coros adicionales, para dejarla al toque.  

    Lo mandé a mezclar con Jack Davis en Nashville Tennessee y el máster lo hicimos en Texas con Kevin Butler, ambos productores que han trabajo con incontables proyectos grandiosos del género. Con ellos siento que se conecta el sonido que estamos buscando, porque tanto en Nashville como en Texas es donde nace esta música, donde hay miles de expositores del country desde hace décadas, entonces mandar nuestra música con gente que vive esa música, es lo más fiel que podemos hacer para sonar como buscamos. 

    I: Veo que hay varias referencias a la naturaleza en este nuevo sencillo…

    A: Sí, me gusta mezclar el amor-triste imposible con la naturaleza, para mí lo hace sentir más… real, en el buscar esa conexión con otra persona a través de la naturaleza. La canción nació imaginando donde me gustaría estar con esa persona. 

    I: Se me hace muy curiosa la incorporación de un instrumento de viento como el saxofón en sus canciones, cómo se dio esto… 

    A: La raíz de los instrumentos de viento en Satán Es Real (que no son tan comunes en el country) nació con Jorge Soto, quien tocaba trompeta y banjo al inicio del proyecto. Muchas líneas melódicas de las primeras canciones las escribimos con este instrumento. Eventualmente Jorge no pudo seguir en el proyecto, pero llegó Gibrán Nafarrete, quien nos ayudó a recuperar esas líneas melódicas con el saxofón. 

    El sax es un instrumento que sí está presente en exponentes como Merle Hagger, y también el rocanrol tiene muy presente el saxofón, entonces no se nos hizo tan descabellado, y al contrario, con eso le damos un sabor diferente a nuestra música. 

    I:¿Qué viene en camino para Satán Es Real? 

    A: Estamos agendando fechas en Mexicali (donde teníamos rato sin tocar) y recién nos invitaron a tocar en el Hotel Jacumba Hot Springs. También vamos a buscar tocar de nuevo en Ciudad de México para fin de año. El plan es trabajar en un EP, con por lo menos 3 canciones nuevas, y lanzar este nuevo material para que la gente vaya viendo cómo está evolucionando el proyecto, pues no queremos clavarnos en un solo estilo, sino enriquecerlo con las distintas influencias que tenemos. Estos meses estamos más enfocados en la producción musical, pero también con la mira en ciertos shows muy buenos.

    No olvides seguir a Satán Es Real para estar al tanto de sus próximos lanzamientos y conciertos

    Spotify

    Instagram

    YouTube

  • Frida (Una Maravilla), la nueva explosión musical de Charlie Xavier

    Frida (Una Maravilla), la nueva explosión musical de Charlie Xavier

    Con una fusión de rimas y sonidos desenfrenados, Charlie Xavier nos entrega Frida (Una Maravilla). Este sencillo se desprende de su nuevo material La Música es Unión, un álbum que representa lo mejor de toda su discografía hasta el momento.

    Como es ya característico del artista cachanilla, esta canción de más de 6 minutos nos lleva a un viaje que atraviesa los sonidos del indie, blues y rock progresivo, creando una versión mexicana de Free Bird para el espíritu joven; una aventura musical que comienza de forma explosiva, para después hacernos contemplar aspectos más filosóficos de la existencia humana y recordarnos que la vida es bella, mágica por sí misma y debe vivirse al máximo.

    Charlie Xavier nos muestra a través de Frida (Una Maravilla) lo que es difícil de encontrar hoy en día: música que te mueve el alma, hecha con instrumentos reales y la pasión de un artista que brinda una experiencia divertida a sus oyentes por amor al arte; una versión punk mexicana de Masayoshi Takanaka.

    Carlos Leal, mejor conocido como Charlie Xavier, es un músico nacido en Estados Unidos y establecido en México desde hace más de 10 años. Con más de 80 canciones publicadas, su experimentación sonora y enérgica presencia escénica le ha dado un lugar en el escenario a lado de artistas como Niño Viejo, Diles Que No Me Maten y Juan Cirerol.

  • “Out of My Head”, por Ay Gregorio!, un sencillo para escaparse de uno mismo

    “Out of My Head”, por Ay Gregorio!, un sencillo para escaparse de uno mismo

    Se sabe que la vida nos golpea, nos tira al piso y nos patea, y a veces esta violencia viene de nuestra propia cabeza: nos convertimos en nuestro peor enemigo. No pocas veces dan ganas de escaparnos de nosotros mismos y olvidarnos por completo de todo. Para ese tipo de momentos el nuevo lanzamiento de Ay Gregorio! cae como anillo al dedo. “Out Of My Head” es una canción que nace de este sentimiento de querer fugarse de uno mismo, de irse un rato al campo o al mar y echarse unas caguamas con los compas para darle un reset al presente. 

    “Esta canción la compuse en el campo, en una época en la que estaba harto de estar en mí mismo, en mi cabeza llena de ansiedad y pensamientos intrusivos que no me dejaban en paz. Recuerdo que salí de la ciudad con la intención de despejarme y reconectar con las montañas, el viento, la naturaleza, que siempre son una fuente de paz, y así nació la canción”, nos comparte Gregorio. 

    Este escenario de paz y relajación tras poder encontrar un momento de calma lo representó la artista plástica Andrea Razo, quien al igual que con otras portadas del autor, aterrizó en el formato visual el concepto de la canción, representando la libertad de estar fuera de uno mismo con un pájaro que vuela afuera de la cabeza del compositor.

    Producida por Michael Leone —quien agregó bajo, coros, percusiones y solo de guitarra a la canción—, el nuevo tema gregoriano posee influencias muy claras del country y el folk, dos géneros que, en palabras del autor, han sido grandes influencias en su proyecto musical. Además se trata de la primera composición en inglés del músico bajacaliforniano, quien comprueba con esto que vivir en la frontera siempre conlleva un intercambio cultural y lingüístico muy interesante. 

    El estreno gregoriano de este verano viene acompañado por un Lyric Video grabado en “La Misión”, una zona rural a 40min de Ensenada. En el video se puede apreciar un escenario campestre que contemplan 4 amigos y Gregorio, quienes, con el sombrero bien puesto, comparten un momento de calma apreciando la belleza del paisaje. 

    Escucha “Out Of My Head” en tu plataforma de preferencia y no olvides darle follow a Ay Gregorio! para que no te pierdas sus próximos lanzamientos. 

    https://www.youtube.com/channel/UCH5jsricHxDPn7GgdNJNk4A

    https://www.instagram.com/aygregorio

  • Niño Viejo, Indie Norteño para todo México

    Niño Viejo, Indie Norteño para todo México

    Fotos y Redacción por Iván Gutiérrez

    El indie, ese género lleno de vitalidad que al mismo tiempo nos transmite cierta melancolía, como el recuerdo de un paisaje que se mira por la ventana en un viaje donde no importa el destino. En la última década México ha tenido la fortuna de ver el surgimiento de grandes exponentes de este género. Entre ellos se encuentra Niño Viejo, proyecto de Baruch Argil, oriundo de Mexicali (Baja California), quien sabe como mezclar géneros como el indie rock, folk, garage y power-pop.

    Nacido por la necesidad de contar vivencias y expresarse durante la pandemia, niño viejo cuenta (hasta la fecha) con 2 EP’s (“niño viejo” y “Espiral”) y 2 álbumes (“gracias!” y “amor”) en plataformas, además de varios sencillos lanzados bajo el sello Hoy Es Un Buen Día, entre ellos dos colabraciones; “TRANQUILO” junto a Seb Rodriguez y “Todas las veces” junto a Ed Maverick, su más reciente lanzamiento. 

    El pasado sábado 5 de julio el músico cachanilla cerró su primera gira nacional en La Capilla (Ensenada), acompañado de su formato Full Band y el músico chihuahuense Seb Rodríguez. Perseguidores del Ruido Alternativo que somos, conversamos con Niño Viejo para conocer más detalles de sus andares por el país, su nueva colaboración con Ed Maverick y su opinión de la escena independiente actual.    

    Iván: latícanos cómo les fue en la gira nacional 

    Baruh: La verdad nos fue bastante bien para ser la primera gira de Niño Viejo Full Band como tal. No tenía expectativas de nada, pero el show inicial, en Puebla, estuvo genial, la gente coreó las canciones, nos llenó de mucha energía. Después tocamos en CDMX y también estuvo muy bueno, creo que fue donde hubo más gente. De ahí le dimos a Toluca, Guadalajara, Monterrey, San Luis Potosí… ah y en CDMX también hicimos un acústico en el parque Chapultepec, para la gente que no pudo entrar al foro, y se puso muy bien fue bastante gente, casi 100 personas. Ya las últimas fechas fueron Hermosillo, Mexicali, Ensenada. En general hubo gran recepción del proyecto, muy buenos comentarios en todas partes y buenas vibras.

    I: Acabas de estrenar un sencillo con Ed Maverick hace unos días, nos puedes platicar más al respecto de esta colaboración

    B: Eddy fue uno de los productores de mi primer disco “Amor”, que saqué en junio del año pasado. Ya nos conocíamos de antes pero con esa producción empezamos a conectar más. También me produjo unas canciones que grabé en noviembre del año pasado, fui a grabar la última oleada de sencillos que he sacado, que son Juventud 2000, Barry, Tranquilo y esta colab que es “Todas las Veces”. 

    Estuvo muy bonito como se dio, estábamos grabando en Hoy Es Un Buen Día y en eso se va la luz del estudio, entonces nos llevamos equipo a la casa de Eddy, y en uno de sus cuartos montamos un Home-Studio para grabar la canción. Cuando la estaba grabando Eddy me dijo “wey, ¿puedo cantar también en la canción?” y yo de ¡por supuesto!, y grabamos voces, guitarras, luego un compa de allá grabó el bajo y Eddy la batería, estuvimos pisteando y cotorreando y todo fluyó bien natural.  

    I: ¿Crees que en estos tiempos es preferible lanzar sencillos, más que álbumes? 

    B: Lo ideal para la industria y para como estamos consumiendo música hoy en día es lanzar sencillos constantes, para agarrar un fanbase y que la gente escuche tu proyecto. Pero creo que también es muy necesario trabajar el concepto de un disco, resistirnos a quedarnos solo con sencillos en un consumo rápido, sino enfocarse en hacer un álbum bueno que sea memorable, que puedas escuchar en 15 años y digas “está increíble”, que también puedes trabajar así un sencillo, pero creo que con un álbum se siente más el trabajo de todos, músicos de sesión, productores, artistas visuales, hay mucha gente detrás. Creo que es importante mantener la onda de hacer álbums. 

    I: ¿Qué opinas de la escena indie nacional actual? 

    B: Creo que está creciendo, justo vamos a tocar dentro de poco en Bandemia, un festival independiente de la Ciudad de México, es una conglomeración de toda la escena mexicana indie que está haciendo ruido. Hay música muy cabrona, creo que hay para todos, para todo tipo de escuchas. Se está viendo una unidad muy cabrona entre bandas de diferentes estados, de invitar a tocar, de ir a las tocadas, de apoyo mútuo, creo que estamos un muy buen momento de la escena independiente. 

    I: ¿Y acá en el norte cómo lo ves? 

    B: Muy bien, todavía lo veo un poco apagado, pero creo que es por la falta de espacios, como que no hay mucha accesibilidad a lugares públicos para tocar música independiente. La mayoría de venues además son para mayores de edad, y mucha gente joven se queda sin poder ir a estos shows, pero creo que hay muy buenos artistas en el norte, el único impedimento es eso de los espacios. 

    I: ¿Algún consejo final para los músicos que quieran girar? 

    B: Planeen bien las rutas jaja, para que aprovechen el recurso lo mejor posible. Denle tranquilo, descansen, coman bien, y recuerden que hay que pasarla bien. A final de cuentas estamos aquí por la música, eso es lo más importante, que la gente la pase bien y todo lo demás pasa a segundo plano. 

    Puedes seguirle la pista a Niño Viejo desde sus perfiles en Instagram y Spotify

  • “Semillas de la Avaricia”, conciencia sonora contra la contaminación de la tierra por SOULPLANT

    “Semillas de la Avaricia”, conciencia sonora contra la contaminación de la tierra por SOULPLANT

    Redacción por Iván Gutiérrez

    La música es un gran hogar donde todo tipo de experiencias son posibles: puede ser un lugar acogedor para descansar, una fiesta donde respirar la euforia y la alegría de estar vivos, y hasta una protesta para denunciar las cosas que van mal en nuestro mundo. Con esta filosofía en mente es que la banda sandieguina de reggae fusión “SOULPLANT” ha lanzado su sencillo más reciente, “Seeds of Greed”. Conoce con nosotros todos los detalles de esta nueva producción en esta entrevista con Sean McMullin, vocalista de la agrupación. 

    Platícanos un poco de la historia de SOULPLANT, ¿cuándo y dónde empieza este proyecto? 

    Me mudé a San Diego hace un par de años. Antes de eso, estuve en México, viviendo en lugares como Sayulita y Puerto Escondido, tocando en muchas bandas. También estuve en Alaska con una banda folk. Después de mucho vagar decidí establecerme en San Diego y comencé un proyecto de reggae aquí. Empezamos a improvisar, a ver qué pasaba y, de alguna manera, nos adentramos en el reggae. Empezamos a trabajar en 2023, pero podríamos decir que salimos oficialmente al mundo en abril de 2024.

    La formación actual que tenemos es Aaron Haines (Bajo), Colin Holz (Batería), Mark Turner (Percusión), Cristian Valdez (Teclados), Ryan Kaley (Teclados), Marco Rodríguez (Guitarra) y tu servidor Sean McMullin (Guitarra y voz)

    Siento que usas la música para llevar un mensaje de concienciación y reflexión sobre nuestra realidad a la gente, ¿es así?

    Sí, esa es nuestra intención. Crecí con una madre soltera, que nos crió conscientes de nuestro entorno. Hizo un excelente trabajo, porque nos hizo comprender que el “yo” está conectado con el resto del mundo.

    En la música que hacemos hay un sentimiento, una energía… Cuando escuché reggae por primera vez, algo cambió, me obsesioné un poco. Solo quería escuchar y tocar reggae, y eso es lo que sigo haciendo.

    Estos mensajes que compartimos provienen de la música que he escuchado toda mi vida. Hay mucho mérito en la banda Midnite, él es una gran influencia, también Bob Marley, Dennis Brown, Gregory Isaacs y Culture. Siempre me ha interesado la ciencia, la historia y la espiritualidad, buscando información sobre eventos históricos que están sucediendo, y esa es la base de nuestras letras.

    Han estado publicando mucha música en los últimos dos años, ¿cierto?

    Este año hemos lanzado tres canciones, y el año pasado también publicamos tres más, de todas “Seeds of Greed”, es mi favorita. Los primeros temas de SOULPLANT se crearon con la ayuda de Andrew Mckee (Hirie y Tribal Seeds). Hicimos música en su estudio y Nigel Dean se encargó de la definición de las canciones. En los últimos tres años, convertí mi casa en un estudio de grabación y, desde hace unos meses, me dedico a la música: mezcla y masterización… Seed of Greed fue autoproducida.

    ¿Nos puedes contar más sobre tu nuevo sencillo, Seeds of Greed? Entiendo que es una crítica al cultivo químico-industrial de semillas…

    Sí, habla del cultivo químico-industrial de semillas, y también del sistema Babilónico, y de cómo gran parte de lo que ocurre hoy en día proviene de la gente que explota los aspectos naturales de la tierra y la modifica para su propio beneficio sin importarles las consecuencias en el entorno.

    A medida que la canción avanza, el objetivo es transmitir un mensaje de esperanza. Al final dice: “Las semillas del mañana residen en la tierra“, lo que nos recuerda que, independientemente de lo que le hagamos a la Madre Tierra, no podemos detenerla; al final, nuestra permanencia en el mundo será la más afectada. Y sí, debemos intentar detener el daño mientras estemos aquí, pero pase lo que pase, la Madre Tierra vencerá.

    Uno de tus temas es “Guerra”, ¿verdad? Háblanos de él.

    Es una de mis canciones favoritas. Tiene un significado profundo y oculto. No se trata solo de la guerra externa, sino de la guerra interna. Vivimos en una época de tanta guerra y la gente no sabe por qué lucha. “Dices que tienes hambre cuando estás lleno y aún quieres más”, así que sí, esta canción habla de la batalla interna que todos libramos, y el estribillo dice: “Para poder luchar, debemos estar serenos, tranquilos y seguros”. Habla de la única manera de superar esta guerra externa que vemos en el mundo, de la gente que lucha físicamente, de las bombas que se lanzan y de todo el daño que se le está haciendo a la Tierra… La única manera de superar todo esto es conquistando esa batalla interna, esas pequeñas guerras que libramos a diario… entonces, con suerte, podremos empezar a tratarnos un poco mejor.

    ¿Tienen presentaciones pronto en California?

    Haremos un concierto en un lugar llamado Winston el 31 de julio, y luego en agosto tendremos una especie de sesión de grabación en vivo en un estudio llamado TMC Recording Studio, The Beach Break Sessions. Así que sí, estoy súper emocionado, se avecinan conciertos y vendrás más después de los ya agendados.

    ¡Sigue a SOULPLANT en sus diferentes plataformas para que no te pierdas sus próximas novedades!

    Spotify SOULPLANT

    Instagram SOULPLANT

  • Besthoven México

    Besthoven México

    PLANETA GUERRA TOUR 2025

    Punkis, corridos, estoperoles y sombrerudos

    Fotos y redacción: Víctor Plissken

    La banda de punk Besthoven se dio una vuelta por el puerto de Ensenada como parte de su gira en México, en lo que se conoció como: SYMPHONIA DEL RUIDO VOL. 1

    Sean bienvenidos a otra crónica fotográfica en donde seremos testigos de lo que acontece en la escena musical underground del bello puerto de Ensenada.

    La cita fue el 30 de mayo del presente año y el lugar seleccionado para dicho evento fue sin más ni menos en la CARRETA BAR.

    ¡La última vez que el carretón (nombre por el que es bien conocido) abrió sus puertas para un evento underground fue en un sábado 26 de octubre del 2019!  

    Sin pensarlo, cuando anunciaron que habría un tokin en tan fino lugar, su intrépido fotógrafo amarillista se puso su mejor sombrero, lustro sus botas vaqueras taconudas y con cámara en mano se lanzó pero en fa a cubrir dicho fandango.  

    La primera banda en comenzar tan suculento evento musical fue la banda llamada “138” la cual se encargo de interpretar los más grandes hits de los pioneros del horror punk “THE MISFITS”, haciendo taconear las mata víboras en la pista de la carreta bar.

    Después de sacudir la cabeza y de ingerir unas chelas bien heladas al ritmo de 138, fue el turno del siguiente grupo llamado “SACRIFICIO BARBARICO” el cual, sin saber afinar subió al escenario a dar una buena cátedra de un brutal POWER VIOLENCE en el cual colabora como vocal el buen Alex, ex vocalista de la gran banda “SOULGAZER” la cual espero tener la dicha de volver ver en los escenarios algún día.

    Sin duda el trio de barbáricos está haciendo un buen ruido y próximamente se irán de gira a tierras regias, ¡les deseamos la mejor de las suertes y que algún día aprendan a afinar! 

    Ya medio mareado por tanto ruido y bebidas embriagantes, fue el turno de la banda “CEMENTERIO MACABRO”, la cual es una de las creaciones del infame Dr. Satan, aka Dr. Karroña.

    Dicha banda se centra mayormente en el género del horror punk, pero también tiene baladitas las cuales quedan muy bien en su setlist. Acelere y wakanroll, el trio de pillos se encargan de hacer bailar a los asistentes y a las criaturas de la noche al ritmo de canciones muy coquetas de ultratumba al más puro estilo del SWING y ROCKABILLY.

    Ya terminada la presentación de CEMENTERIO MACABRO, fue el turno de uno de los grupos invitados desde la ciudad de Monterrey y se trató de la banda “DOG POUND” el cual entregó al público una suculenta presentación de un POWER VIOLENCE demoledor.

    Habiendo terminado su show, la siguiente banda en subir al escenario fue MASSAKRO los cuales nos visitaron desde la ciudad del eterno verano, California. Con estilo fuertemente influenciado en el subgénero del “D-beat” el cual se caracteriza por un ritmo de batería rápido y un guitarreo bien denso.

    Si quiere más referencias, escuche un playlist de la banda “DISCHARGE” para que se haga una idea querido lector.

    En medio de la presentación de MASSAKRO un punk me comenzó a tratar de explicar sobre el capitalismo y consumismo de productos elaborados en masa, pero es difícil escuchar con todo el ruido de las guitarras de fondo y con un ampli todo reventado, así que solo asentía con la cabeza y continuaba viendo el show que se estaba desarrollando en la pista de baile de la carreta bar.

    Punks en su hábitat natural

    Con una chela en mano y con la otra sosteniendo la cámara tomé asiento un momento, pero no era hora de descansar ya que la banda principal estaba a punto de subir al escenario. BESTHOVEN es una banda brasileña de punk, influenciada por los géneros del disbeat y el crust.

    Grupo conocido por un sonido potente y con una fuerte postura anti-facista. El vocalista de carácter tranquilo y apacible, le daba las gracias a todo el público presente por asistir al evento y se comunicaba en una especia de español-portugués, pero eso no hizo desanimar a los asistentes y continuó la fiesta punk.

    Al finalizar el tiempo de BESTHOVEN, pensé que ya se había terminado el evento y que sería buena hora para irse a dormir, pero otra banda se acomodaba en el escenario para seguir con el tremendo jolgorio auditivo que parecía no tener fin.

    La banda final se trató de “CONSUMED” originarios de la ciudad de Monterrey, con un estilo de crust punk y stenchcore se encargaron de cerrar tan magno evento en la Carreta Bar que para ese entonces ya se encontraba casi vacía, ya que ya iban a ser las 2:00 a.m. y su responsable fotógrafo y redactor debe levantarse a las 6:00 a.m. para ir trabajar, lo cual hace más difícil cubrir dichos eventos.

    Aunque para serles sinceros queridos lectores, no todos los días tenemos la oportunidad de poder disfrutar de estas presentaciones en el rancho, así que las desveladas y las crudas están bien justificadas.

    ¡Nos leemos a la próxima!

    Playlist de las bandas:

  • Mario Méndez: una década (y algo más) de vertiginoso rocanrol poblano desde la batería

    Mario Méndez: una década (y algo más) de vertiginoso rocanrol poblano desde la batería

    Redacción Polo Bautista. Fotos cortesía de Mario Méndez

    La inquietud por hacer rocanrol nació del amor que le tengo a mi esposa, pero que por aquellos años era tan solo una jovencita. Yo quería conquistarla, llamar su atención. Así me empezó a interesar la música. Entonces decidí entrar a un grupo llamado Los Black Birds.

    Sentado en la acogedora sala del octogenario Mario Méndez (ex baterista de Los Demonios del Rock, Los Flyders del Rock, Los Proms, Face IV y Los Sabios), observo con atención la fotografía que sobresale de entre un pequeño montón de documentos. En el avejentado y amarillento registro de principios de los años sesenta, identifico a los personajes que la componen: con un cigarrillo en la mano izquierda se halla Arturo Álvarez (guitarrista de Los Gypsies) y al extremo derecho de la mesa mi anfitrión, todavía en su mocedad. “Andaba bien enamorado de mi señora, pero no me hacía caso. Aquí platicaba con Arturo sobre ella, mientras echábamos unas chelas en un bar de la 12 poniente y 5 de mayo”, cuenta Méndez.

    Sin embargo, los germinales acercamientos del percusionista angelino con el rocanrol también sucedieron por otras vías además del amor, cuando este conoció en el Centro Escolar Niños Héroes de Chapultepec a otros jóvenes músicos como Juan Guerra (guitarra, bajo y voz), Othón García (piano), Eugenio Pérez-Mayesffer (guitarra), Jesús Díaz (batería) y Francisco de Alba (bajo). Todos miembros fundadores de Los Demonios del Rock (1960). De igual forma, fraternizó con el cantante Alberto Rentería, quien formó parte de Los Bad Boys y Los Flyders del Rock. Aunque, sus auténticos pasos musicales ocurrieron como bajista de Los Black Birds, al lado de los guitarristas José Luis González y Jesús Solís, al interior de un amasijo cemitero del mercado la Acocota, donde ensayaban con cubetas, un platillo y escobas que empleaban a manera de guitarras.

    En 1963, sus ex compañeros de colegio García, Díaz y de Alba, abandonaron al conjunto endemoniado y sus puestos fueron ocupados por Méndez y el guitarrista Rodolfo Apango, pero no sin antes probarse ante el director del conjunto: “A la casa de Juan Guerra, fuimos Alberto Reyes (baterista de Los Gypsies), Javier Ávila (baterista de Los Spiders) y yo. Realizamos la audición, Guerra salió luego de un rato y dijo que yo me quedaría con el puesto. Ensayé con ellos como seis meses y al cabo de ese tiempo grabamos el LP Tijuana(1964), en los estudios de Discos Orfeón, del entonces Distrito Federal (D. F.). Me aprendí la canción ‘A volar’, por si pedían regrabarla, aunque cuando llegamos nos dijeron que no hacía falta y la pasaron tal como salió en el primer sencillo (1962) de Los Demonios del Rock, pero todas las demás sí las grabé”.

    Pese al gran triunfo del bando, la extensa promoción del disco (Chiapas, Veracruz, Tabasco, etcétera) y su breve estancia en el reconocido Café Mileti, ubicado en la Zona Rosa del D. F., para 1966 el proyecto endemoniado se había malogrado y Mario no tuvo más opción que ocuparse en una imprenta, aunque solo por breve tiempo.

    Cierto día se apersonó en su puesto laboral otro de sus antiguos conocidos, esta vez para ofrecerle un jugoso trato: “Llegó Rentería, comentó que el baterista de Los Flyders del Rock (Ramón Gómez) se había marchado y quería que yo me uniera a ellos. Preguntó que cuanto ganaba, le contesté que cincuenta pesos a la semana. Entonces dijo que me daría cincuenta pesos diarios, más comidas y hospedaje. Por lo que me fui con Los Flyders del Rock a Veracruz, donde tenían un contrato por seis meses en el prestigioso Hotel Prendes”. Los rocanroleros restantes que partieron junto al baterista y el vocalista fueron Julio Gómez (requinto), Enrique Rosas (bajo) y el antedicho González (acompañamiento).

    Al término del contrato dentro del hotel veracruzano y por intermediación de un promotor apellidado Alfeirán, Los Flyders del Rock continuaron su labor rocanrolera dentro del circuito de caravanas cerveceras, donde encaminaron sus pasos por otras regiones del sureste nacional como Coatzacoalcos, Minatitlán, Acayucan, Jáltipan, Villahermosa, Cárdenas, Campeche, Catazajá y demás.

    En 1967 o 1968, Los Flyders del Rock se desbandaron debido a conflictos entre sus titulares (Rentería y González) por el equipo y los instrumentos, de manera que el baterista y sus compañeros reformaron la agrupación bajo un nuevo apelativo. Así surgió el bando de Los Proms, conformado por Óscar Torija (ex guitarrista de El 2 + 2), Sergio Espinosa (voz y saxofón) y los varias veces mencionados Méndez, Rosas y Julio Gómez. Aunque, por un fugaz lapso también se les unió el cantante y bailarín meridano Vidal Aranda, quien se hizo popular gracias a sus exóticos bailes tahitianos y de El Venado.

    Lamentablemente, Los Proms tampoco perduraron y a su extinción, ya al cierre de la década sesentera, le continuó otra propuesta bautizada como Face IV. En ella se encontraban Los Proms originales, a excepción de Torija, pero con la anexión de un tecladista de nombre Salomón. Al respecto, Mario dice: “Cuando volvimos a Puebla, ya nos llamábamos Face IV. Nos instalamos por varios años en el céntrico Café Rococó. Sonará ególatra, pero la verdad éramos muy buenos. No teníamos información de nada, como hoy con los videos de YouTube. Solo contábamos con nuestro oído y sentimiento. Eso era lo que tocábamos. Julio Gómez sacaba las canciones de Carlos Santana sin problemas. Igualmente, Sergio Espinosa cantaba en inglés canciones de The Doors, Creedence Clearwater Revival, Iron Butterfly, etc.”.

    En 1972, Méndez se sumó al último proyecto musical de su vida: Los Sabios. Dicha agrupación, con múltiples años de trayectoria dentro de las caravanas itinerantes, estuvo constituida por José Luis Herrera Cortés (teclado), Jesús Mireles (requinto), Asunción Cóyotl (trompeta), Rubén Uribe (bajo) y los hermanos Ismael (trompeta) y Andrés (saxofón) Calvario.

    Juntos recorrieron por dos años el extenso territorio nacional, hasta que el baterista tuvo que abandonar su puesto debido a motivos familiares: “Me fui con ellos, pero ya estaba casado. Después vine a Puebla y mi mujer me dijo: ‘¿tu conjunto o nosotras?’. Porque ya teníamos una hija y cuando la cargaba lloraba de que no me reconocía por estar de pata de perro. Empecé a buscar trabajo y por fortuna, Jorge Duarte (hermano del guitarrista de Los Santos, Enrique Duarte) me comentó que estaban solicitando bomberos en la armadora Volkswagen. El dos de febrero de 1974, me hablaron para que me presentara a hacer mi prueba en la empresa. Los Sabios estábamos en Tamazula, Jalisco, y le dije al director del grupo que me tenía que ir. En el examen hicieron que cargara una manguera y me metieron una friega. Nunca había cargado antes. Terminé golpeado y dañado. Finalmente, me presenté a trabajar el seis de febrero y permanecí en ese cargo por dieciocho años”, concluye el percusionista.

    Mario (o “Méme” como prefiere que lo llamen sus amigos), se alejó del ambiente musical por completo y pese al gran sacrificio que eso conllevó, no se arrepiente. Su legado como pionero rocanrolero y tremendo baterista perdura a la par del ejemplo que ostenta como abuelo y padre de una extensa familia. Aunque relativamente fugaz -de poco más de una década-, su carrera musical fue sin duda trepidante, variada y emocionante, por lo que resulta un testimonio valioso dentro de los anales del rocanrol angelino.     

  • Antimateria y la renovada crudeza sonora de su álbum Profanity

    Antimateria y la renovada crudeza sonora de su álbum Profanity

    Redacción Polo Bautista. Fotos cortesía de Alberto González y Antimateria

    Nuestra intención fue dar un paso hacia adelante. Hacer que el sonido fuera más sólido y definido, y decir que esto somos nosotros.

    Durante el transcurso del año pasado, la banda poblana Antimateria atravesó por importantes adhesiones en su alineación que desembocaron en la renovación y el fortalecimiento de su impronta musical, la cual entrevera géneros estrepitosos propios de los años ochenta y noventa (grunge, metal y hard core) con paisajes dancísticos e hipnóticos de influencia caribeña (drum and bass, dub y reggae). La consecuencia de aquella reestructuración interna es el lanzamiento de su tercera y hasta ahora más lograda producción discográfica titulada Profanity (2024, Hyper Records, disponible en plataformas y en formato CD).

    A lo largo de sus trece años de existencia, el proyecto originalmente instrumental que fundaron el bajista Isaac Rivera (también baterista en la agrupación Los Guanábana) y el guitarrista Juan Pablo Flores, sorteó infinidad de inconvenientes y dilaciones; sin embargo, tales circunstancias parecen haberse revertido con la integración de Salvador Gómez (percusión y sintetizador), Beto Drummer Duck (batería) y particularmente Gabriel Oveja Project (producción y voz), quien con la implementación de sus líricas controversiales, atronadoras y rabiosas ha transformado sustancialmente la faz del grupo.

    “Llevábamos tiempo conceptualizando la idea de introducir una voz y evolucionar nuestro discurso y sonido” dice Rivera, quien agrega: “Ahí fue que se incorporó acertadamente Gabriel. Por otra parte, Beto y yo nos conocemos desde hace más de veinte años y siempre me gustó mucho su estilo poderoso de hard core y rock. Por último, Salvador ya había participado en los discos anteriores (Megaterium y Prehumano), pero hasta ahora se encuentra oficialmente con nosotros y se encarga de sondear lo orgánico y lo electrónico”.

    Si bien, Profanity rescata composiciones surgidas en anteriores producciones como es el caso de “Jihad”, “H24 (unborn)” y “Crash (insectoid)”, estas no se ajustan solamente a reversiones fáciles y artificiales, ya que además de alcanzar sus respectivos cúlmenes sonoros sustentados en motivos de medio oriente y vehementes riffs de guitarra, igualmente se acompañan de letras que abordan la guerra, el aborto y el terrorismo.

    No obstante, la pieza inaugural del álbum, “Krakatoa”, es la que consigue perfilar gran parte del objetivo actual de sus autores, al intercalar en proporciones equilibradas sus destrezas y mensajes. Al respecto, Flores dice: “Esa canción resume de alguna forma el álbum, porque contiene la fuerza y el groove que quisimos imprimirle. Además, la letra aborda temas como la violencia, las drogas, el consumismo o la política. La realidad de hoy en día”.

    En contraste, se hallan aquellas piezas que principian de manera sosegada y escalan progresivamente en intensidad. Tal es el caso de “Mistake Hill”, “Cum & Bloom” o “Goodbye after death”, que mediante lentos arpegios, riffs contenidos o efectos de sintetizador evocan la pesada sapidez, intranquilidad y melancolía de numerosas bandas norteamericanas de la década noventera. Finalmente, para “Reincarnation in Mozambique”, los matices tribales y de ascendencia africana se encuentran con mayor claridad y firmeza, aunque estos realmente están diseminados variablemente a lo largo de la obra.

    “Para este año tenemos muchos pendientes, entre ellos la presentación formal de Profanity y el lanzamiento del videoclip correspondiente al tema ‘White trash dog’, por lo que estaremos muy activos y de promoción”, concluye Flores.

  • Johnny Saico y La Malilla Vol. 1, canciones reales pa´ los reales

    Johnny Saico y La Malilla Vol. 1, canciones reales pa´ los reales

    Entrevista por Iván Gutiérrez
    Fotos por Verebruja

    En los tiempos contemporáneos, donde el exceso de entretenimiento (música, películas, series) es abrumador, siempre es reconfortante encontrar y escuchar proyectos artísticos que, a la par de su naturaleza independiente, siguen manteniendo un espíritu “real” y una propuesta auténtica que no obedece a intereses mercantiles o de “industria”. Tal es el caso del compositor Jonathan Aguilar, mejor conocido en el mundo “under” de Tijuana como Johnny Saico, cantautor de líricas críticas que aborda en sus canciones los problemas internos y externos que le presenta el día a día en esta controvertida frontera. 

    “No busco abordar ciertos temas directamente, sino reflejar lo que me rodea”, nos comparte el músico al conversar con él vía Zoom, en una entrevista realizada para conocer más a fondo el origen de su proyecto musical y profundizar en los detalles de su nueva producción, “Johnny Saico y La Malilla Vol. 1”, un total de 4 canciones que tocan desde temas románticos hasta problemáticas sociales como los desaparecidos en México. A continuación el diálogo que desarrollamos con el autor.  

    Iván: Tengo entendido que eres de Culiacán, ¿cuándo y por qué llegas a Baja California? 

    Johnny Saico: En realidad soy nacido en San Diego California, pero criado en Culiacán Sinaloa. Hace unos años venía a una corta misión a San Diego, ésta falló y me tuve que mudar a Tijuana, llegando a establecerme en el 2020 sin la intención de fundar un proyecto ni nada, pero estando en el encierro de la pandemia, en una ciudad que no conocía, sin amigos, sin parientes, ahí poco a poco me brotó la necesidad de crear música. El proyecto empezó a sonar en vivo en el 2023 y de ahí pal real. 

    I: Platícanos sobre las canciones que integran este EP, ¿son de un periodo en específico?

    JS: Fueron escritas en el 2020, 2023 y 2024, en un principio quise meter las primeras canciones compuestas pero después dije que no era necesario, lo acomodé como mejor me gustó. Sale con 4 canciones principalmente por motivos económicos, tengo muchísima música para exponer, regalar, vender, compartir, pero no quiero cometer el error que había cometido en el pasado, que fui a grabar a lugares y me daban un resultado con la música que no me encantaba la producción. 

    Además del EP tengo otras 3 canciones grabadas medio producidas, siguen en plataformas porque a pesar de que a mí no me gustan del todo, ya que a la gente les gustó y están ahí para su deleite. 

    I: ¿Dónde se realizó la producción de este álbum y quiénes participaron? 

    JS: Este álbum se grabó en un estudio independiente que manejan los integrantes de la banda Entre Desiertos (Tijuana), el encargado fue Mauricio Ruiz (bajista de Entre Desiertos), él se encargó del tracking y el mixing, además del bajo en una de las producciones. En grabación estuvo su servidor en voz y requinto, Edgar del Rosario (alias el Tribi) grabó la guitarra eléctrica y en el bajo nos acompañó Mario Villegas —él no tocaba el bajo, pero decidió darse un aventón y lo hizo muy bien, grabó 3 de los 4 temas del bajo. Además también se involucró un muchacho muy talentoso en percusiones, Gad Robles, él toca la batería y nos apoyó con todo los ritmos. Empezamos a grabar en septiembre del 2024 y terminamos en enero del 2025. 

    I: Me parece que el sonido de este EP es increíble porque trae como una fusión de diferentes géneros… he escuchado en tus presentaciones en vivo que lo tuyo es “regional mexicano”, ¿podemos ahondar sobre eso?

    JS: Lo que toco siempre me causa conflicto delimitarlo, porque se me hace más fácil decir que es una suma de todos mis gustos musicales, es una suma de todo el jazz, el funk, el afrolatino, el regional, el rock, etc., todo está ahí aglomerado. En los arreglos y secciones de las canciones hay de repente Fleetwood Mack o de repente Ska-P, pero le digo regional mexicano porque una vez me dijeron que los instrumentos hacen el género, entonces como abarcan muchos géneros que se tocan en México usando instrumentos de música mexicana (como la Docerola), pues regional mexicano. 

    I: ¿Tienes algún tema que sea tu preferido de este EP? 

    JS: Creo que sí, es difícil, pero si me apuntan con una pistola y tengo que elegir, diría que Selectivo, porque es un tema que ya lancé en el pasado, pero la producción no cumplió mis expectativas, no le hacía justicia, y esta segunda versión, ya con los músicos en su lugar y una producción más firme, me hace sentir satisfecho y me da mucho gusto ponerla donde se merece. 

    I: El tema de “En Dónde Están” hace referencia a los desaparecidos, ¿cierto?

    JS: Es una canción que me urge internamente que no tenga sentido, quisiera que la gente al escucharla no supiera de qué se trata, pero actualmente, con la problemática de desaparecidos en el país, es algo muy vigente, si bien la escribí en el 2020. La compuse una mañana que estaba navegando en redes sociales y vi alguien que compartió una fotografía de una madre buscadora que decía “Feliz cumpleaños mi niño, donde quiera que estés”, y con ese dolor me fui a trabajar, y a lo largo del día las palabras y la tonada empezaron a llegar. 

    Es una canción que no dice ninguna verdad específica, pero dice la mera verdad al mismo tiempo. Trato de ser muy sincero con mi música, en este caso hablo de una tal Leila y Victor, éstas no son personas reales que conozca o estén desaparecidas, pero ejemplifican uno de los miles de casos existentes en nuestro país. 

    I: ¿Cómo te ha ido en Tijuana, alguna opinión sobre la escena musical de la frontera que quieras compartir? Qué está chilo, qué le falta, etc… 

    JS: En Tijuana siento que me ha ido bien, es una ciudad a la que se viene a chambear, la gente no viene a tirar weba. En cuanto a la escena, siento que es lo mismo en todo el país, todo el mundo tiene el síndrome de “no me merecen”, la gente solo apoya a los amigos cercanos… he tocado en Ciudad de México en un foro grande pero vacío, pero también en Zihuatanejo en un lugar a reventar. La ciudad no importa, si tienes la oportunidad de exponer tu música, tómala, sea una o mil personas y da lo mejor de ti, esa es mi filosofía. 

    I: ¿Qué presentaciones tienes en camino? 

    JS: La más próxima es este domingo 13 de abril en Ediciones Caradura, compartiendo escenario con varios talentos que son grandes amigos y conocidos, será una tardeada, empieza a las 3:30pm en la zona centro de Tijuana, ahí estaremos junto con Ay Gregorio! (Ensenada), El Juan de Tijuana, La Realidad Alterada (Tijuana) y Héctor el de Arriba (Mexicali). 

    I: ¿Algún comentario final para nuestros lectores?

    JS: Sean fieles a sus sentimientos y a su arte, no se dejen menospreciar por nadie, si ustedes aman lo que hacen, sigan adelante y el camino se forjará. 

    PLATAFORMAS DE JOHNNY SAICO

    Instagram

    Spotify

    YouTube